POLITIQUE 0
du 1er au 3 octobre 2010
Espace Niemeyer
2, Place du Colonel Fabien - Paris 19e
Entrée libre
 

EXPOSITION / EXHIBITION

CONFÉRENCES-PERFORMANCES

PROJECTION VIDÉO / SCREENING PROGRAM

ATELIERS / WORKSHOPS

DOCUMENTATION

PROJECTION VIDÉO / SCREENING PROGRAM
Ven./Fri. 1 Oct. 19:00 - 23:00
Sam./Sat. 2 Oct. 11:00 - 23:00
Dim./Sun. 3 Oct. 11:00 - 19:00


Deframing
Political economies and artistic strategies of dissent
A selection by ARGOS centre for art & media
 (Brussels, Be). . [+]
Friday, June 18, 1999, City of London

Charley Case. 1999 . [+]
Deframing by Argos
4 x 4 - Episodes of Singapore Art: Episode 3 – Tang Da Wu
Tzu Nyen Ho. 2005 . [+]
Deframing by Argos
Bustutai
Gert Verhoeven. 2003 . [+]
Deframing by Argos
Les Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid
Sélection de vidéos. . [+]
Upwards compatible
Manuel Saiz. 2002 . [+]
A]PART
Peter Downsbrough. 2009 . [+]
Staging Silence
Hans Op de Beeck. 2009 . [+]
White Building
Jean-Luc Vilmouth. 2005 . [+]
The Pride of Siam
Philippe Terrier-Herman. 2005 . [+]
ZERO SCREENINGS
A Selection from Politique 0. . [+]
Data
Dominic Gagnon. 2010 . [+]
R.I.P. IN PIECES AMERICA
Dominic Gagnon. 2002 . [+]
Videogramme einer Revolution
Harun Farocki and Andrei Ujica. 1992 . [+]
Os candagos (manufacturers)
Guillaume Linard-Osorio. mars 2010 . [+]
Stadthimmelskörper
Juliana Borinski. 2010 . [+]




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Deframing
Political economies and artistic strategies of dissent
A selection by ARGOS centre for art & media
 (Brussels, Be)


Political economies and artistic strategies of dissent

The political-ideological complex forces us into a particular acceptance of social organisation, defines our place in it and benefits the production of power relations. Existing relations are fixed and congealed. This program, showing three samples from the Argos Collection, compiles works from three artists that deframe political-ideological spaces and reconsider politics of representation. Charley Case raises the issue of globalization and neo-liberalism from the enclave of counter-communities. Ho Tzu Nyen re-enacts a pivotal protest by an artist / performer that took place mid nineties in front of the president of Singapore. Taking imagery of a Giant Pumpkin Contest in Japan as a starting point, Gert Verhoeven allegorically tackles our socio-economical system and how the art world relates to it. These three works also make a stand against the politics of disinformation and invisibility with which the mass media confront us on a daily basis.

ARGOS centre for art & media

Argos screening panel curated by Paul Willemsen (director of Argos)
for Politique 0
Argos is a Brussels based centre for art and media. Over the years the organisation has developed from a distributor of artists' video and film into a broader art centre incorporating also functions as exhibitions, screenings and events, production, conservation and preservation, publishing and the development of a public media library.
Argos was founded in 1989 for the purpose of stimulating and promoting audiovisual art; at present it is the country’s main source of reference for this type of artistic practice.

http://www.argosarts.org/

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Friday, June 18, 1999, City of London

Charley Case
1999
00:08:12


An inside account of a public meeting in London that attracted more than hundred thousand activists campaigning against global capitalism. Images of joy and ecstatic jubilation, rage and anger, disenchantment and delusion structured around the four elements: fire, air, water and earth. “While the elite gangs of state and capital become evermore faceless, their fear of the faces of the everyday resistance grows. Yet, somehow the victims of their power - the poor, the oppressed, the broken and desolate - are always voiceless and are always faceless. Today we shall give this resistance a face: for by putting on our masks we reveal our unity; and by raising our voices in the street together, we speak our anger at the facelessness of power.” (Charley Case)

1999, super 8 mm transferred to video, b & w, non spoken, 8’12”, Belgium

http://www.argosarts.org/distribution/works/f/12bffd5e39634956a7ad89a76932f451

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4 x 4 - Episodes of Singapore Art: Episode 3 – Tang Da Wu
Tzu Nyen Ho
2005
00:22:52


In August 1995, the president of Singapore Ong Teng Cheon visited Singapore Art ’95, an exhibition and sale of artworks by Singapore artists. At the time funding for funding unscripted performance art had been ceased by the National Arts Council. Ho Tzu Nyen re-enacts Tang Da Wu’s protest performance ‘Don’t give Money to the Arts’, in which the artist pointedly wore a jacket emblazoned with those words when meeting the President of Singapore. The entire episode hangs on the wearing and handing of the jacket – a gesture both empty and full. The camera moves in and out of the various participant-actors, placed against a blank white screen, as though hovering in search of the right shot, the right composition – which of course will never arrive. Arrayed around this moment are several ‘freezings’ of the participants, momentary Stillings which bring us closer to the ambivalent physical action at the heart of the drama.

http://www.argosarts.org/distribution/artists/h/c1f3aa87217f41b4bd11f2c52602c0f4

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Bustutai
Gert Verhoeven
2003
00:13:42


In 2001 Gert Verhoeven presented ’The Blob’. This video is an account of the World Pumpkin Confederation Contest in the United States. The style is similar to a documentary, but it is extremely fragmented for lack of a storyline or any clarification. We keep undergoing astonishing images of gigantic pumpkins, constantly being subject to curious tests and manoeuvres; meanwhile a voice-over makes dubious and rambling comments. With a strong degree of tongue-in-cheek and cynicism Verhoeven insinuates a parallel between the absurd rituals of this competition and the mechanisms in which all the objects in the socio-economical system – as well as the art world – are being treated and traded. The sequel, ’Bustatai’, tells the same story in the same ambiguous tone, but now it is situated at the Giant Pumpkin Contest in Japan, which adds an extra dimension. Referring to themes like globalisation and post-colonialism, question marks are being placed behind traditional worldviews and patterns of expectancy. Is this a typically Japanese, simplistic simulation or is there more to it than that?

2003, video, color, English spoken, 13’42”, Belgium

http://www.argosarts.org/distribution/works/b/9873a68d519140a58747bc26eabc5788

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Les Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid
Sélection de vidéos


Depuis 1997, les Rencontres internationales proposent une action pluridisciplinaire en faveur de la création contemporaine en cinéma, vidéo et multimédia.
Le festival présente chaque année, à Paris, à Berlin et à Madrid, une programmation internationale réunissant des œuvres d'artistes et de réalisateurs reconnus sur la scène internationale aux côtés de jeunes artistes et de réalisateurs peu diffusés.

http://art-action.org/

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Upwards compatible
Manuel Saiz
2002
Vidéo |beta num. | couleur | 0:08:30 | Espagne / Royaume-Uni


"Upwards Compatible" est un générique d'ouverture pour le film "2001 : L'odyssée de l'espace", réalisé par Stanley Kubrick en 1968 - la projection emplit l'espace de la galerie, tant par la taille de l'image que par la qualité et le volume du son. Les images ainsi projetées sont conçues pour répondre aux critères des génériques d'ouverture de films, notamment ceux des grosses productions américaines. Le nom du film, ceux des acteurs et des membres de l'équipe technique apparaissent en rythme à l'écran et se déplacent en suivant le tempo de la musique. Cette œuvre se veut un supplément à "2001 : L'odyssée de l'espace", auquel il manquait un générique d'ouverture. Sur cette vidéo, les noms des acteurs et des techniciens ayant collaboré au film de 1968 trouvent ainsi leur place au générique.

Né en Espagne en 1962, Manuel Saiz vit aujourd'hui à Londres. Il est co-fondateur de UNXposed (www.unxposed.com) et de la VideoArtFoundation.

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A]PART
Peter Downsbrough
2009
Vidéo | dv | noir et blanc | 0:11:50 | USA / Belgique


L'impressionnant garage Citroën à Bruxelles, Place d'Yser, construit dans l’entre-deux-guerre, un prototype moderniste. Le bâtiment, naguère menacé de démolition, est encore conservé pour quelques temps et Downsbrough rend hommage au bâtiment et à ses architectes, les Belges Alexis Dumont et Marcel Van Goethem, associés à l’architecte français Maurice Ravazé. Le film en noir et blanc souligne la logique de base et le rythme du bâtiment. Le garage est divisé en deux parties, l’atelier lui-même et une salle d’exposition, et Peter Downsbrough filme les deux d’une manière ludique mais rigoureuse du point de vue formel, sans oublier ces originalités qui constitue la griffe de Downsbrough, intégrant par exemple des séquences narratives de bruits d’ambiance ou surimposant des mots, tels « In time » au début du film. Des mouvements typiques de voitures alternent avec des mouvements proprement cinématographiques, comme des panoramiques, parfois aussi des images fixes, et le film devient de plans fixes, des photographies. Filmé du point de vue du passager d’une voiture qui parcourt la gigantesque rampe en spiral, le film montre l’intérieur du garage et des échappées à travers ses vitres jusqu’au paysage alentour. Dans un sens, le bâtiment est filmiquement déconstruit par Downsbrough : de haut en bas (y compris les gros plans sur le sol taché du garage) il est analysé visuellement et scruté. Ainsi la physicalité du bâtiment impose-t-elle ses règles de cadrage au film, des « règles » avec lesquelles l’artiste joue de manière évidente – comme toujours. Vers la fin du film, nous assistons à une ronde quelque peu absurde et joyeuse de voitures au rond-point situé en face du bâtiment, image qui rappelle la célèbre dernière scène du film de Tati « Trafic ».Pourtant, « A]PART » – élégant, intelligent et dégagé – possède un revers sombre aussi : il est à la fois une ode et une élégie.

Peter Downsbrough (1940, New Brunswick, N.J.) fait des études d’achitecture et d’art. Au milieu des années 1960, après quelques années de travail et d’exploration de divers matériaux, notamment le carton, le bois, l’acier, le plomb et les tubes de néon, sa pratique a évolué et trouve une forme différente, en 1970, dans les œuvres "Two Pipes" (outside), "Two Dowels" (inside) et "Two Lines" (on paper).A la même époque, il commence à prendre des photographies de ses pièces. En prenant en photo sous différents angles et avec différentes distances, il commence graduellement à se concentrer sur les "coupes" existantes du paysage urbain. Certaines de ses photographies ont été publiées dans des livres, d’autres apparaissent dans des magazines, mais elles n’ont pas été exposées avant 1980. A partir de 1977, Downsbrough réalise plusieurs vidéos et des cassettes audio. Il a fait un disque en 1978 qui est sorti en 1982. Cherchant à étendre son vocabulaire pictural, il développe une série d’œuvres avec des dés. En 1980, sur le Spectacolor Board de Time Square à New York, il réalise une pièce, un spot de 30 secondes s’allumant une fois l’heure pendant quatre jours, une performance qu’il documente dans un court-métrage « 7 come 11 ». Autour de 1980, il commence également à utiliser des cartes postales, en y dessinant deux lignes, suivi ensuite par l’utilisation de mots. Le travail avec des maquettes comme un moyen d’explorer l’espace et la structure commence vers 1983. Downsbrough a réalisé sa première commande publique à Rennes (France) en 1983 pour un espace mural. Le film "Occupied" a été produit en 2000, dis ans après qu’il a été conçu. Depuis, plusieurs films, tournés avec une caméra numérique, ont été édités en DVD. Aujourd’hui toutes ces disciplines font partie de son champ d’activité. L’intérêt de Downsbrough pour l’architecture industrielle prend beaucoup de forme. Plus souvent, la "préservation" signifie la survie formelle d’un film ou d’une série photo. Ses films et ses photos capturent toujours une réalité industrielle ou (sub)urbaine qui disparaîtra un jour où l’autre ou sera sujet à des réaménagements – comme c’est le cas dans le Manhattan de la fin des années 1970 ou dans les zones industrielles de Kent, en Angleterre.

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Staging Silence
Hans Op de Beeck
2009
Vidéo | dv | noir et blanc | 0:22:00 | Belgique


"Staging Silence" se base sur des paramètres abstraits et archétypaux puisés dans la mémoire de l’artiste comme dénominateurs communs de ses différentes expériences de l’espace public. Les images vidéo elles-mêmes sont à la fois ridicules et sérieuses, exactement comme le mélange éclectique d’images dans notre esprit. Le choix de filmer en noir et blanc accentue cette ambiguïté : la qualité amateur de cette vidéo convoque l’héritage du burlesque tout aussi bien que le suspense insidieux et le déraillement latent du film noir. Le titre de la pièce se réfère à la mise en scène de décors abandonnés où, en l’absence de personnages, le spectateur peut se projeter comme s’il était le seul protagoniste. Les images de la mémoire sont des mélanges disproportionnés d’informations concrètes et de fantaisies, et dans ce film, ils se matérialisent devant les yeux du spectateur à travers un bricolage anonyme et l’improvisation de gestes avec des mains. On voit des bras apparaitre et disparaitre au hasard, manipulant des objets de tous les jours, des maquettes et des lumières artificielles créant ainsi des lieux aliénants mais presque reconnaissables. Ces lieux ne sont ni plus ni moins des décors animés pour des histoires possibles, qui sont ainsi proposées au spectateur et évoquent quelque chose pour lui. Le film est accompagné par une partition qui, inspiré des images elles-mêmes, a été composée et exécutée par le compositeur Serge Lacroix.

L’artiste plasticien Hans Op de Beeck vit et travaille à Bruxelles, où il a développé sa carrière avec des expositions internationales depuis les dix dernières années. Il fait de la sculpture, des installations, des vidéos, de la photographie, des animations, des dessins, des peintures et des textes (des histoires courtes). L’artiste cherche la manière la plus effective pour exposer le contenu concret de chaque œuvre en déterminant et sélectionnant de manière ultime son médium. L’échelle peut varier de la taille d’une aquarelle à une grande installation de 300 m2 en trois dimensions. L’artiste n’utilise pas seulement une grande variété de médias mais également emploie délibérément une diversité de formes esthétiques, couvrant tant un langage visuel minimaliste et économique qu’un dessin chargé et exagéré, dans le but de toujours articuler le contenu de son travail avec le maximum d’exactitude. Du point de vue thématique, le travail se concentre sur nos rapports laborieux et problématiques avec le temps, l’espace et les relations humaines. Op de Beeck montre un spectateur inexistant, mais des lieux identifiables, des moments ou des caractères de tous les jours, pour capturer dans ses images l’absurdité tragicomique de notre existence postmoderne. Les thèmes clés sont la disparition des distances, la désincarnation de l’individu et l’abstraction du temps qui ont résulté de la globalisation et des changements de mode de vie que les médias, l’automatisme et les technologies ont suscités. Hans Op de Beeck nomme parfois son travail « propositions », elles sont de manière irréfutable fictionnelles, construites et mises en scène, laissant au spectateur le choix de prendre l’œuvre au sérieux, comme une sorte de réalité parallèle, ou de la mettre immédiatement en perspective, comme une construction visuelle. Son œuvre se nourrit des champs de réflexion sociale et culturelle. L’artiste questionne aussi les relations entre la réalité et la représentation, entre ce que nous voyons et ce que l’on veut croire, entre ce qui est et ce que nous créons pour nous-mêmes pour rendre plus simple notre rapport à notre propre insignifiance et notre manque d’identité. Le résultat visuel de cette enquête produit souvent des images somnolentes, insidieuses, tristes et étonnantes.

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White Building
Jean-Luc Vilmouth
2005
Experimental doc. | dv | couleur | 0:25:00 | France / Cambodge


En passant par le front du Bassac, dans Phnom Penh, si l’on est un voyageur attentif, on sera surpris de voir surgir une construction qui pourrait avoir l’air d’un immeuble, mais qui ressemble davantage à un grouillement architectural étonnant. On ne perçoit tout d’abord qu’un enchevêtrement de lignes bleues, de points verts et d’étoffes colorées, en suspension sur ce qui devait être autrefois une façade blanche d’architecture moderne. On apprend alors que ce grand organisme vivant a été construit par l’architecte cambodgien Van Molyvann sur le modèle de l’utopie de la Cité radieuse.

Jean Luc Vilmouth est né en Moselle. Il vit à Paris. Il expose ses œuvres depuis 1978 dans le monde entier, il intervient en tant qu'artiste dans des revues consacrées à l'art et à l'architecture et est auteur d'ouvrages sur l'art. Il s'est illustré dans la réalisation d'œuvres publiques. En tant que réalisateur, il a créé plusieurs films courts et des installations vidéos.

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The Pride of Siam
Philippe Terrier-Herman
2005
Vidéo, fiction | dv | couleur | 0:17:00 | France / Thaïlande


Périphérie de Bangkok. Dans l'ossature de béton d'un immeuble inachevé, abandonné, une jeune femme fascinée lit à haute voix le magazine du dernier centre commercial. Son ami écoute avec ennui puis désespoir cette insupportable lecture. Entre l'étalage de luxe du magazine et la modestie de leur situation, le décalage est énorme. "The Pride of Siam" laisse transparaître les ambiguïtés des choix de développement de la Thaïlande moderne.

Philippe Terrier-Hermann est né en 1970 en France. Après des études à la School of the Art Institute de Chicago et à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten à Amsterdam, il séjourne à Bruxelles, à Rome, à Paris, à Tokyo, à Buenos-Aires et à Bangkok pour réaliser des travaux photo et vidéo. Depuis l'an 2000, il a exposé, entre autre, au Centre National de la Photographie de Paris, au Museum voor Fotografoe d'Anvers et à la Biennale de Sharjah aux Emirats Arabes Unis. Ses vidéos ont été projetées à l'occasion des soirées Point Ligne Plan de La Fémis à Paris, au Super Deluxe à Tokyo, aux Etablissements d'En Face à Bruxelles, à De Appel à Amsterdam et au MK2 Project-café à Paris. Certaines vidéos font parties des collections du Musée National d'Art Moderne (Centre Georges Pompidou) à Paris.

http://www.terrier-hermann.com/

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ZERO SCREENINGS
A Selection from Politique 0


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Data
Dominic Gagnon
2010
61 mn


Documentary about the collective Au-travail / At-work.
This collective has several hundred members around the world. Illegal art, diversion, sabotage and hijacking are forms of expression that privilege “Atworkers” in our time of general crisis. What happen when products are worth nothing and stop moving? What happen in the warehouse? By using, diverting or bending to their own purposes the cultural and technological resources of their employers, "At-workers' refuses certain alienating work conditions. Immersed in various sectors of the economy, members of this collective draw the possible figures of a new form of social and artistic commitment. The victory of neo-capitalism becomes total and it is precisely for this reason that resisting its grip on our lives becomes increasingly eloquent. Manifesto, documentary, pamphlet, call of disobedience or fable, DATA attacks institutions but do not want their abolition, talks of freedom but not liberation and proposes autonomy without separation. It is a collective that never met, a group that works in anonymity and who enjoys great visibility. In DATA, thinkers, philosophers, artists and friends discuss the "At-work" adventure and prepare its future. This video is aimed at viral contamination, the collective being a call for collaboration open to all.

DV. NTSC / PAL. English / Français.

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R.I.P. IN PIECES AMERICA
Dominic Gagnon
2002
62 mn


L'artiste Dominic Gagnon présente R.I.P. in pieces America, un essai cinématographique à la jonction du documentaire, du film d'art et du pamphlet réactionnaire. Le point de départ : des clips censurés sur Internet.

« Je regardais des vidéos sur Internet et j’ai remarqué que certaines étaient "flaggées" à cause de leur contenu. Alors qu’elles disparaissaient de sites d’accueil gratuit, j’ai commencé à les sauver et à les monter. » (D.G.)

Dominic Gagnon : inventeur, réalisateur, plasticien et performeur actif sur la scène internationale, Dominic Gagnon considère le cinéma comme un moyen de mesurer l'incommensurable, ou comme une discipline du chaos. Depuis 1996, il a fait des présentations publiques d’images en mouvement, inventé des machines et des concepts, interprété des œuvres sonores, construit des installations et créé des performances dans différentes galeries, festivals et biennales dans le monde.

Rest in pieces, America! Dominic Gagnon turns no blind eye in his ultra-intense collage film which consists entirely of more or less anonymous webcam clips that due to their controversial or explicit nature have been flagged and meanwhile removed from video sites such as YouTube. Well-formulated conspiracy theorists, bad-tempered grass-roots activists and religious arms fanatics, who use the webcam as both a means to preach and to confess, have all been filtered by the censor, but stored by Gagnon, who neither comments nor embarks on any finger-pointing. For who decides what can be thought and said? And what is paranoia, if you know that you're right? 'RIP' is an uncensored, in-your-face assault on political correctness and on most American institutions. But it also has a bizarre, performative element, which makes it more of a souvenir from the days before Obama was given the Nobel Peace Prize. If only one of the people portrayed is right, the Americans are really in trouble...

Anonymous home made short-videos carefully edited into a feature.

« I was watching video on the Internet and I noticed that certain homemade clips were flagged for their content. As they were disappearing from free hosting sites, I started to save and edit them in a capsule format. Working in a gray zone about copyright, I nevertheless fulfill the authors’ will to contextualize their situation by grouping their videos together and more important diffuse / preserve their messages. » D.G.

Dominic Gagnon : Inventor, director, installer and active performer on the international scene, Dominic Gagnon considers cinema as a technique for measuring the immeasurable or as a discipline of chaos. Since 1996, he has made public presentations of moving images, invent machines and concepts, performs sound works, built facilities and creates performances in various galleries, festivals and biennials around the world. To carry out his projects, Gagnon has conducted several researches about: the decline of economies (ISO, 2002), terror (Du Moteur à Explosion, 2000) violence and identity crisis among boys (The Making of a Cobra, 2004), the international adoption systems (Anchorage, 1998), information disorder and homelessness (High Speed, 2007), Sado-Masochism and fetishism in popular culture (Blockbuster History, 2005) and the family in the era of megaentertainment (Beluga Crash Blues, 1997).

http://www.cphdox.dk/d/a2.lasso?tt=f&s=2009103&ser=913&e=1

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Videogramme einer Revolution
Harun Farocki and Andrei Ujica
1992
116 min


In Europe in the fall of 1989, history took place before our very eyes. Farocki and Ujica's "Videograms" shows the Rumanian revolution of December 1989 in Bucharest in a new media-based form of historiography. Demonstrators occupied the television station [in Bucharest] and broadcast continuously for 120 hours, thereby establishing the television studio as a new historical site. Between December 21, 1989 (the day of Ceaucescu's last speech) and December 26, 1989 (the first televised summary of his trial), the cameras recorded events at the most important locations in Bucharest, almost without exception. The determining medium of an era has always marked history, quite unambiguously so in that of modern Europe. It was influenced by theater, from Shakespeare to Schiller, and later on by literature, until Tolstoy. As we know, the 20th century is filmic. But only the videocamera, with its heightened possibilities in terms of recording time and mobility, can bring the process of filming history to completion. Provided, of course, that there is history.
(Andrei Ujica)

Harun Farocki conceived of and assembled Videograms of a Revolution together with Andrei Ujica. Ujica, who was born in Timisoara in 1951, is a Rumanian writer who has been living in Germany since 1981, where he is a lecturer in literature and media theory. He has good connections to Rumanian friends and colleagues who not only opened up the television archives to the authors but also enabled them to get in contact with cameramen from state film studios and with numerous amateur videographers who had documented the events on the streets of Bucharest, often from the roofs of highrise buildings. "If at the outbreak of the uprising only one camera dared to record," said Farocki, "hundreds were in operation on the following day."
(Dietrich Leder, Film-Dienst 24/92)

http://www.farocki-film.de/

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Os candagos (manufacturers)
Guillaume Linard-Osorio
mars 2010
DVPAL 4/3 Letter Box, 8 min


En 1964, quand Philippe de Broca tourne L’homme de Rio, Brasília est un vaste chantier. Avant d’abriter les classes moyennes et hautes si recherchées, la ville doit composer avec une population indésirable mais indispensable, les constructeurs. Appelés aussi « candagos », cette population peu qualifiée d’origine rurale représente 55% de la population active. Il n’est alors pas question pour le gouvernement qu’elle s’installe durablement dans le District fédéral, aussi est-elle logée directement sur le chantier.

Le point de départ de la vidéo Os candagos est un extrait de L’homme de Rio, un moment précis où Jean-Paul Belmondo est poursuivi dans la ville de Brasilia. Outre la dimension burlesque du film original, ce passage offre un point de vue exceptionnel sur la ville en 1964, avant l’arrivée des habitants officiels.

Mon travail consiste ici à faire ressortir la dimension documentaire de ce passage au détriment du scenario. L’ensemble de la séquence est retravaillé image par image ; Jean Paul Belmondo y est effacé ainsi que toute trace de vie, ce qui focalise le regard sur le chantier de la ville qui fait office de décor pour le film. En privant le film de ses acteurs il s’agit d’évoquer l’effacement de cette population. Les traces que laisse la technique de rotoscopie sur le film original sont alors autant de spectres qui révèlent a fortiori la présence des « candagos » dans la ville. Au final une forme d’action et de rythme subsistent, soutenus par les acteurs invisibles qui inscrivent la ville dans un chaos temporel. Le vent et la poussière règnent. Brasilia, point d’orgue du modernisme capitaliste, devient ville fantôme.


Photo: Lucio Costa indiquant le point zéro du chantier de Brasilia en 1956. Crédit photo: collection particulière


http://www.no-furniture.com/

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Stadthimmelskörper
Juliana Borinski
2010


"Stadthimmelskörper" de Juliana Borinski est une vidéo tournée à São Paulo, en 2010 qui propose d'aborder l'écosystème d'une mégapole contemporaine. Ici, c'est la topographie verticale de l'exclusion qui est soulignée. Au dessus de São Paulo trônent 1100 héliports, nœuds du réseau de transport capitaliste. Ils survolent le peuple, la plèbe boueuse. Les gouvernants survolent le Réel, ils le survolent quotidiennement.