> What’s on

Je participe à l’exposition Hadaly et Sowana, Cyborgs et sorcières, qui aura lieu au centre d’art de l’espace Gantner (Bourogne, Franche-Comté) du 12 octobre 2019 au 25 janvier 2020.

J’y présenterai « Mourning Jewellery for Hadaly« , réalisée spécifiquement pour l’exposition grâce à l’Aide Individuelle à la création (DRAC). Cette première pièce inaugure une recherche de 2 ans à la croisée de questions écologiques, de l’obsolescence de l’homme, et de l’émergence des cyborgs. Elle fait suite à la recherche présentée à The Engine Room (Nouvelle-Orléans) et reprend les mêmes matériaux de base : conductivité (via des encres notamment) et cheveux. La prochaine étape sera présentée à Montréal en Septembre 2020 !

Cette exposition, commissariée par Cécile Babiole, présente les travaux de : Annie Abrahams, Caroline Delieutraz, Camille Ducellier, Lynn Hershman Leeson, Agathe Joubert, Kaori Kinoshita et Alain Della Negra, Albertine Meunier, Julie Morel, Aniara Rodado, Tabita Rezaire, Christine Tamblyn, Suzanne Treister, Gwenola Wagon & LolaPerez-Guettier & Stéphane Degoutin.

« L’Ève future, roman fantastique de l’écrivain français Auguste de Villiers de L’Isle-Adam, publié en 1886, raconte comment, pour aider son ami amoureux d’une cantatrice très belle mais très sotte, l’ingénieur Edison fabrique de toutes pièces un double artificiel, Hadaly, une andréide, bien supérieure à la femme réelle. Pour donner une âme à l’andréide, Edison fait appel à Sowana, une voyante dotée d’un fluide surnaturel.
L’exposition se réapproprie la thématique de la technologie conçue comme à la fois rationnelle et magique, et substitue une vision élargie et non stéréotypée à celle misogyne du roman. La technologie n’est pas seulement l’apanage de génies mécanistes masculins qui recréent les femmes (naturellement défectueuses) selon leurs fantasmes, mais aussi un ensemble de savoirs et de pratiques partagé par les femmes (sorcières, sages femmes, guérisseuses, etc) et mis au service de la survie et du soin de la communauté depuis toujours.
Nourrie par Le Manifeste cyborg de la philosophe Donna Haraway qui dépasse les binarismes et rejette les frontières entre vivant et machine, également inspirée par l’écoféminisme de Starhawk qui régénère le concept de terre-mère vivante et sacrée, l’exposition réunit des artistes qui questionnent les technologies au sens large et leur rapport au corps. Ces artistes réinventent les figures de la cyborg ou de la sorcière, comme autant de symboles de puissance, de résistance, d’ironie et d’utopie. »

Vernissage le 12 octobre 2019 à 17h.
> Site de l’Espace Gantner.

Je suis en juillet en résidence au Bel Ordinaire pour la préparation de l’exposition Reconfiguration des particules. Cette exposition, commissariée par le collectif Le sans titre, aura lieu au BO en janvier 2020.
La résidence est consacrée à la création et impression de sérigraphies (350 !) pour l’exposition, et qui seront distribuées au public lors du vernissage et durant toute la durée de l’exposition. L’idée est de déconstruire la broyeuse de chocolat de Marcel Duschamp – élément à l’origine de la réflexion pour ce commissariat. Par différents motifs, modules, trames, couleurs, et par couches successives, nous proposons une relecture iconoclaste de la broyeuse, chacun des exemplaires imprimés étant uniques. Cécile Babiole et moi-même sommes accompagnées par Martha Dro, assistante extraordinaire, actuellement étudiante aux arts-déco à Paris.
Lors de cette résidence nous avons croisé plein de personnes aux travaux passionnants : Annely Boucher qui travaille sur autour de la rencontre, de l’écoute et de la prise de parole (elle aurait pu prendre part au projet à la Nouvelle-Orléans tellement ses thèmes de recherches sont proches du projet !), Fabien Zocco (qui avait participé il y a quelques années à la résidence Géographies variables France-Québec), Elsa Aupetit et Martin Plagnol (studio Kiösk) dont j’ai acquis une jolie publication (éditée par leur maison d’édition Dumpling Books pour la bibliothèque de la résidence à Briant), et enfin Romain Jarry, comédien et metteur en scène… Une belle équipe !

Je viens de participer au projet « Organology » de Ross Louis, Jade Perdue (Performance Studies Lab et musicologie, Xavier University, Nouvelle-Orléans) et Liz Page (Musicologie, Columbia University, New York).
Ce projet prend la forme d’une bande son sérialiste et d’un guide pour « performer » la ville de New York et de la Nouvelle-Orléans, lors d’une promenade dans une rue de chacune de ces villes.
Ma contribution a consisté à créer la forme visuelle du guide, qui a été imprimé en riso (bleu/noir/rouge) par Constance Nola.
Quelques images prises au Patti Pace Perfomance Festival qui a eu lieu en février au Centre d’Art Contemporain de la Nouvelle-Orléans et où le guide a été diffusé pour l’une des sessions de performance.
Par ailleurs, le festival m’a permis de découvrir la performeuse Kaneza Schaal !

Je suis très heureuse de participer avec Véronique Savard, au colloque « Repenser les humanités numériques », jeudi 25 octobre à 14h, à l’Université de Montréal !
Nous y présenterons nos travaux et ceux de Cécile Babiole, Dominique Siroit et Robert Saucier,

I am really happy to announce that I will be participating with Véronique Savard to the « Thinking the Digital Humanities Anew » at the University of Montreal, on Thursday, 25 November, at 2PM!

> Repenser les humanités numériques, Centre de recherche interuniversitaire des humanités numériques.

Texte introductif :

S’il existe de nos jours une pluralité de pratiques réflexives en arts visuels dont les productions servent à éclairer l’apport déterminant du numérique dans nos sociétés contemporaines, de nombreux travaux revendiquent également et depuis le Post-Internet le glissement de l’espace physique dans la culture en réseau (et inversement) et la capacité des documents numériques à se reproduire et à muter indéfiniment. Outre la volonté d’élargir le cercle de diffusion et de circulation des œuvres d’art sur les réseaux, ces stratégies inédites de production, lesquels rendent dynamique la correspondance entre l’œuvre, le matériau numérique et sa documentation, sous-tendent un espace de réflexion critique et rhizomatique à partir duquel on peut soutirer certains traits communs.

La conférence que nous proposons s’inscrit à la suite d’une rencontre entre artistes-chercheurs du domaine des arts visuels et médiatiques. Notre groupe de recherche, constitué de cinq artistes québécois et français de différentes générations, travaille de manière à mettre en exergue et éclairer les structures paradigmatiques, méthodologiques et épistémologiques relatives à l’expérience numérique. Notre projet de recherche et de création est animé par des questions soulevées par la matière technique et culturelle à partir desquels découlent différentes postures de détournement et de remédiation des objets esthétiques, interactifs, textuels et programmés. Il consiste à rendre visible, discuter et situer les spécificités de nos problématiques dans un contexte où les enjeux sociaux, économiques et politiques, soulevés par le numérique, engagent une prise en charge artistique des processus idéologiques.
Notre présentation s’articulera autour d’une sélection d’images relatives à la documentation de projets d’expositions élaborées par les artistes du collectif. Ces œuvres, réalisées par Dominique Sirois, Robert Saucier, Cécile Babiole, Véronique Savard, et Julie Morel ont la particularité, tant sur le plan formel que conceptuel, d’avoir pris naissance dans et par le numérique, bien qu’elles soient également porteuses d’une réflexion sur l’hybridité des médias et sur leurs dispositifs de présentation dans l’espace d’exposition. En effet, ces modes relationnels (et de distanciation) entre appropriations des dispositifs technologiques, interactifs ou langagiers couplés aux médias traditionnels et moyens de diffusion au sein même de l’espace codifié qu’est la galerie, permettent – de par la nature même des œuvres d’art – un rapport sensible aux technologies, dans lequel le visiteur peut trouver un espace d’ouverture tant critique que visuel. Ce lien concret dans la construction de l’expérience nous est cher du fait que nous évoluons dans une société de consommation du numérique, et subissons quotidiennement et à long terme ses effets : des politiques d’utilisation des réseaux sociaux à l’impact écologique de l’obsolescence programmée ou d’un data center, en passant par les algorithmes « patriarcaux » ou autres outils cybernétiques autoritaires.

La coexistence entre ces différents points vus où s’entremêle la complexité des transformations, par le numérique, des formes visuelles, du langage et de la société dans son ensemble se présente en outre comme une préoccupation commune à ces positions artistiques et font la richesse de cette collaboration. En cheminant à travers différentes œuvres, nous aborderons des questions d’ordre pratique et théorique: quels sont les caractères anticipatoires et normatifs propres aux matériaux culturels numériques ? Comment l’œuvre d’art peut-elle désactiver ou court-circuiter un usage récurrent et dominant de la technologie ? Quelles en sont les portées créatives et philosophiques ? Quels en sont les contours et singularités ?

Quelques images :

User Agreement, Véronique Savard

Bzzz, le son de l’électricité, Cécile Babiole

Infrasense, Robert Saucier + KIT

Di$play Body, Dominique Siroit

A.F.K., Julie Morel

(English Bellow!)
Je suis très heureuse de participer à l’exposition « Constructing the Break », qui aura lieu au Centre d’Art Contemporain de la Nouvelle-Orléans du 5 août au 6 octobre 2018, et qui inaugurera la nouvelle saison du Centre d’art. J’y présenterai des sérigraphies réalisées à l’encre conductrice, une série intitulée « Deep ».
Je vous donne RDV lors du vernissage le 4 août 2018 à 17h30, en présence des artistes et de Allison M. Glenn, commissaire de cette exposition.

I am very happy to be included in the Exhibition « Constructing the Break », curated by Allison M. Glenn, at the Contemporary Art Center in New Orleans from August 4 to October 6, 2018. I will present prints made with conductive ink, a series  entitled « Deep ».

« The Mississippi River makes meaning of the landscape as it careens through the United States, flowing South from Minnesota through the Midwest, caressing the edges and embankments of Wisconsin, Iowa, Illinois, Missouri, Tennessee, and Arkansas, until finally pouring down through Louisiana to empty into the Gulf of Mexico. The landscape is similarly marked by the bodies who move through it, by the passing of time, and by the social politics that inform migration, homesteading, and documenting cartographies.
With these considerations, this exhibition looks to the intersection of the body with the landscape—from the gentle overlap of conceptual practices and the physicality of environments to spatial politics that are deeply embedded within the social fabric of this country.  This exhibition considers artistic practices that engage with the shape-shifting that is at the core of New Orleans, where the concept of being rooted is consistently tempered by infrastructural fragility. »

This exhibition is organized by the Contemporary Arts Center, New Orleans, and curated by Allison M. Glenn. Support for this exhibition is provided by the Azby Fund, Sydney & Walda Besthoff, The Helis Foundation, the Welch Family Foundation and the Visual Arts Exhibition Fund.

(English below…)
Cette semaine, je collabore avec Ross Louis pour les visuels d’un de ses projets de performance (un petit guide pour faire ses propres expérimentations performatives, dans trois lieux de Montréal !) .
Ce projet s’appelle Saint-Sulpice, Saint-Sulpice, Saint-Sulpice, en référence à Perec, et en voici les grandes lignes :

Un projet in situ qui invite les participants à créer une « performance infra-ordinaire » en rendant visite à des lieux identifiés à Montréal, qui tous portent le nom « Saint-Sulpice ».
Le projet ré-imagine l’expérimentation infra-ordinaire que mena Georges Perec Place Saint-Sulpice à Paris en 1974 [ce qui se passe quand il ne se passe rien, sinon du temps, des gens, des voitures et des nuages ?]. Ce projet fait également référence à Mobile, l’œuvre de Michel Butor (1963) qui, lors d’un tour des États-Unis, navigue entre différents lieux éponymes et en propose des observations.
Saint-Sulpice, Saint-Sulpice, Saint-Sulpice consiste en une série des protocoles performatifs inspirés par l’haïku, et fût développé lors de visites répétées à Montréal, sur des lieux nommés « Saint-Sulpice ».

A site-specific project that invites participants to create “infraordinary performances” by visiting selected places in Montréal bearing the name “Saint-Sulpice.” The project re-imagines Georges Perec’s 1974 experiment with the “infraordinary” at Place Saint-Sulpice in Paris (“what happens when nothing happens other than the weather, people, cars, and clouds?”). It also references Mobile, Michel Butor’s 1963 work which documented a tour of the United States by transposing observations of various places with the same name.
Saint-Sulpice, Saint-Sulpice, Saint-Sulpice consists of a series of haiku-inspired performance protocols which were developed after repeated visits to sites named “Saint-Sulpice” in Montréal.

– Ross Louis : Research & performance concept / recherche & conception de la performance,
– Julie Morel : Graphic Design,
– Printing : Constance Risograph Editions, New Orleans, Louisiana,
– With the support of /Avec l’aide de : Xavier University of Louisiana via the Performance Studies Lab, College of Arts and Sciences, and Center for the Advancement of Teaching
and Faculty Development,

J’ai le plaisir de présenter mon travail lors des conférences ICI, à la Galerie de l’Uqam, le 20 octobre 2017.

Plus de renseignements ICI.

Demain soir, filez au Centre d’art Contemporain de la Nouvelle-Orléans pour le vernissage de l’exposition Ephemera-Obscura où je montre une version encadrée et installée de la série d’impressions en risographie « Ghost – A.F.K. »
See you there!

Ephemera-Obscura
Du 5 août 2017 au 1er octobre 2017, CAC – Nouvelle-Orléans
Vernissage le 5 août à partir de 17h30.
Contemporary Arts Center
900 Camp Street – New Orleans, LA.
Evènement sur Facebook

Venez au Joan Mitchell Center écouter artistes, designers, chercheurs, qui parleront du livre « Shake What your Mama Gave You » et des thèmes qui y sont abordés.
Avec: Katrina Andry (artist, New Orleans), Maaike Gouwenberg – Deltaworkers (curator, Netherlands), Erik Kiesewetter (Constance / graphic designer, New Orleans), Parse / Anna Mecugni (curator, Italy & New Orleans), Julie Morel (artist, France), Gina Phillips (artist, New Orleans), and Robin Vander (scholar, New Orleans).

Cette semaine, les étudiants qui participent à Géographies variables seront en « workshop » avec l’artiste Iris Haeussler et la commissaire Catherine Sicot, à la Villa Vassilieff du 10 au 12 mai. Ces quatre jours d’atelier se concentreront autour du projet Sophie La Rosière.
Développé depuis 2009, ce projet au long cours, pré­senté à la Villa Vassilieff, s’ancre dans l’his­toire de la moder­nité pari­sienne. En sui­vant la bio­gra­phie détaillée d’une artiste fic­tive ayant vécu dans le Paris du début du XXe siècle, Sophie la Rosière redé­cou­vre des métho­do­lo­gies et des modè­les pos­si­bles, pour mieux appré­hen­der la cons­truc­tion de l’his­toire de l’art.

À travers ce workshop, nous explorerons et imaginerons des biographies possibles pour Sophie La Rosière. Le workshop culminera avec la préparation et la réalisation d’un « Dîner de têtes », au milieu de l’exposition Groupe Mobile, jeudi 12 mai au soir, auquel participeront plusieurs invités, et auquel les étudiants seront associés : repas, mise en scène, décor, situations, conversations, comment chaque élément de ce dîner pourrait-il participer de la fiction Sophie Rosière, contribuer à la construire et à la mettre en réflexion ?

Ce sera le dernier atelier du programme de recherche Géographies variables, qui s’arrête en juin, avec la sortie de l’édition « Shake What your Mama Gave You ».

Vue de l’exposition Groupe Mobile (photo : Aurélien Mole).

Les étudiantes de l’EESAB en train de préparer le Dîner de têtes, avec performances, images (dont certaines qui ont été ajoutées à l’exposition Groupe Mobile), menus et cuisine… (photos : Yoo-Jean).

Ce soir aura lieu le vernissage de l’exposition « Le territoire, la carte, exposition du Sans titre« , au Bel Ordinaire (espace d’art contemporain, à Pau), une exposition que j’ai commissarié et créé avec Le sans titre, collectif d’artistes-commissaires regroupant Cécile Azoulay, Cécile Babiole et moi-même.

Exposition du 23 mars au 30 avril 2016 – Vernissage le 22 mars à 19h, performance à 19h30
Le Bel Ordinaire, espace d’art contemporain
Les Abattoirs, allée Montesquieu, Billère
Tel : 05 59 72 25 85 – Horaires d’ouverture : du mercredi au samedi, de 15h à 19hLe sans titre, ‘Untitled (A4) », d’après « Untitled #88 » de Martin Creed

Nouvelle exposition du collectif Le sans titre, Le territoire, la carte explore la mise à plat, comme outil d’interprétation critique d’œuvres en volume pré-existantes, la traduction en deux dimensions permettant de révéler et de déployer des structures masquées par le volume.
L’exposition se développe à partir de la sélection d’une dizaine d’œuvres matrices iconiques de l’histoire de l’art de l’antiquité à nos jours, qui ne sont pas exposées mais transposées et littéralement mises à plat par les soins du collectif. Ces œuvres réinterprétées investissent l’espace d’exposition sous la forme de plans, coupes, patrons, cartes, représentées à différentes échelles. Ce processus de déconstruction qui va du dépliage à l’écrasement, manière iconoclaste d’appréhender les œuvres référentes, s’appuie sur des matériaux volontairement sommaires et accessibles : feuilles de papier A4, punaises de bureau, adhésif d’emballage, médium…
À l’inverse d’Edwin Abbott dans son livre Flatland, c’est du passage de la tri-dimensionnalité à la bi-dimensionnalité dont il s’agit ici. S’approprier une œuvre, la décortiquer couche par couche, en déployer ses constituants, débusquer sa géométrie sous-jacente ou encore son appartenance à une norme dominante, puis reconstruire de nouveaux objets plutôt que s’adonner au commentaire, c’est franchir le pas de la théorie à la pratique et faire l’expérience de la critique en action.
Cette attitude interventionniste relève de la conception du commissariat adoptée par Le sans titre, une pratique artistique à part entière.

Merci à L’ équipe du Bel Ordinaire, Martin impressions, Jocelyne Quélo, Édouard Sufrin, la Drac Bourgogne et Incident.res.
Quelques images…
   

Cette semaine, j’ai le plaisir d’aller faire une conférence à l’université Paris 8, sur une invitation de Martine Bubb.
Je présenterai différents travaux, récents :  Le virus s’appelait « I Love You », Partition, A Pyhrric Victory, ou moins (tels que les générateurs de textes réalisés dans les années 2000 ou encore Sweet Dream), et bien sur A.F.K. sur lequel je travaille en ce moment.

See you there!

Partition (2010)

J’ai le plaisir d’aller faire une conférence et présenter le projet Hypothèse de l’impact géant, du collectif Le sans titre, à l’International Space University (Strasbourg) le lundi 1 février 2016.
See you there!

Bonne nouvelle pour Incident.res qui a reçu l’aide pour « l’allocation de l’atelier » de la Drac Bourgogne ! Cette bourse va permettre de finir l’atelier à Briant (refaire 2 murs, changer deux fenêtres, et mettre un chauffage permanent) et d’accueillir les futurs résidents dans de meilleures conditions.

À Briant pour l’été, see you there!

Je participe à / I’m going to participate to ELIA’s 7th Teachers’ Academy.
10-12 May 2015, location: Fontys School of Fine and Performing Arts. Tilburg (Holland).

Perspectives in Learning: Presentations
• In A Manner Of Speaking – First Language presentations, Karin Arink
Willem de Kooning Academie Hogeschool Rotterdam

• Variable Geographies, Julie Morel
École Européenne Supérieure d’Art de Bretagne (EESAB)
In the French art schools system, research and teaching are two separated streams when really they are two sides of the same entity, or should at least benefit one another. 
Through the Géographies variables project – a 3 years project which includes art productions, residence programs, field trips, exhibitions, workshops, demos, talks and resource exchanges – this presentation aims to share and discuss how a research project within an art school can be at the center of pedagogy.

• Cultural Spaces and Design – Reflections on Design Education, Anka Falk
Fachhochschule Nordwestschweiz – Hochschule für Gestaltung und Kunst – Institut HyperWerk

Je participe aujourd’hui à la journée L’art racine, organisée par Yves Chadouët et Sophie Kaplan, dans le cadre de « Battre la campagne » à la Criée centre d’art, Rennes.

La Criée propose deux journées d’études portées par Yves Chaudouët, artiste associé à la saison 2014-2015 Battre la Campagne du centre d’art contemporain. Croisant les champs des arts et des sciences, favorisant des échanges ouverts, elles inscrivent l’art et la recherche à la racine de leurs observations.

Le titre de ces journées, L’Art racine, est inspiré par Barnett Newman, qui écrit : « Il n’y a jamais eu de style classique dans l’histoire. Ceux qui croient en la possibilité du classicisme sont les mêmes pour qui l’art est la fleur de la société plutôt que sa racine* ».
Plasticien, écrivain, metteur en scène et jardinier, Yves Chaudouët partage avec Newman cette approche politique qui ne place pas l’art à la frange décorative ou distractive de la société, mais bien au cœur de ses processus. À ses côtés, chercheurs et artistes interrogent cette forme d’utopie et filent les analogies entre art et vie, entre nature et culture, mais aussi entre recherche scientifique et création artistique.

La possibilité d’un art à la racine de la société existe-elle  ? Placer l’art dès la racine, est-ce de fait affirmer une utopie en conflit avec une autre, où le statut et le rôle de l’art et de la culture ne seraient que divertissement, propagande, chiffres  ?

Quelles sont les questions soulevées si l’on considère la création artistique par le prisme de la nature, si l’on envisage la « culture » par celui de la permaculture, par exemple  ? Quels sont les coïncidences, les problématiques communes, les rapprochements à faire, les enseignements, les perspectives à dénicher  ? Faut-il préserver une « beaudiversité » supposée  ? Quelles sont les conditions de la liberté pour le vivant et la création contemporaine, qu’elle soit scientifique ou artistique  ?

La première journée d’études s’intéressera aux liens entre biodiversité et « beaudiversité », la seconde interrogera l’art et la recherche comme jachères actives.

Yves Chaudouët, « Vers la terre, vers le ciel », 2005.
Encre sur papier. Courtesy de l’artiste.

Je parlerai lors de ces conférences du contexte artistique expérimenté à la Nouvelle Orléans, qui semble aller dans le sens de « l’art racine », et je présenterai les installations que j’y ai effectué…