Archive annuelles: 2010

Conférence-rencontre à l’École des Beaux-arts de Nantes / Mardi 14 déc. 2010, à 13h

Le mardi 14 décembre, je serai à l’École des Beaux-arts de Nantes pour une conférence « Archive/réactivation », suivie d’une discussion-rencontre avec les étudiants.
Cette intervention portera sur la réactivation d’archives. Je présenterai notamment le projet « Partition », construit sur une pratique de réactivation des archives par la transgression. C’est à dire de ne pas simplement réinterpréter ou organiser des archives pour mettre en lumière leur caractère historique, sociologique, etc, mais pour s’en emparer comme matériaux de base pour une proposition plastique autonome.

Dans le cadre du projet de recherche Plugin.
Sera aussi présent lors de cette conférence : Adolfo Vera.
Invitation : Véronique Verstraete.

De l’archive et de l’auto-archivage immédiat comme œuvre

Dans quelques jours, je commencerai à travailler sur le projet de recherche « De l’archive et de l’auto-archivage immédiat comme Å“uvre ». Ce projet de recherche a été accepté par le conseil scientifique de la recherche et des études de la DAP et il est porté par l’École supérieure d’art de Lorient et l’association des écoles d’art de Bretagne. Il regroupera plusieurs artistes, critiques, tous enseignants. Notre première réunion de travail aura lieu vendredi prochain !

Une présentation du contexte de la recherche et du projet aura lieu mercredi 17 novembre 2010, au matin, à la DAP, lors du séminaire consacré à la recherche.
Le projet a émergé au fil des rencontres et des expériences que j’ai pu avoir cette année dans le domaine des archives. Notamment lors de l’atelier à L’ESAC (Pau) pendant le festival Access, la conférence à l’IAV (Orléans) et surtout lors de mon séjour aux Archives départementales dans le cadre des résidences de l’art en Dordogne.

En voici la note d’intention :

L’art numérique et la textualité d’internet ont profondément transformé le principe et les modalités de l’écriture qui emprunte des supports de plus en plus interactifs. L’utilisation des supports artificiels de mémoire par les artistes au cœur même du processus de création, tend à réduire encore la distance qui sépare l’acte de création et sa restitution finale.
Le blog, notamment, a été investi par de nombreux artistes numériques et contemporains, jusqu’à en faire œuvre : à la fois interface, atelier ouvert, c’est un processus de création partagé qui se rapproche d’une pratique de notation quotidienne comme peut le faire Jonas Mekas ou encore aux «hypomnémata» tels qu’évoqués par Foucault dans «l’écriture de soi».
L’apparition des blogs a permis un nouveau type d’archivage : l’auto-archivage immédiat, qui, non figé, se reconstitue en permanence, et sur lequel le lecteur peut interagir. Ainsi, l’oeuvre-archive inclut sa genèse, ses hésitations, ses retours, ses commentaires, ses silences, sa réception. Cette émergence produit de nouvelles formes plastiques et esthétiques fondées sur le réseau, l’interactivité, le flux, le fragment, la pluralité des discours.
A ce jour, les blogs, que ce soit comme outils pour les créateurs, comme moyen plastique pour les artistes, ou dans le milieu des étudiants en art, sont extrêmement répandus. Or, il n’existe aucune recherche qui rende compte de l’étendue et de la qualité de ce phénomène. Encore moins de retour critique et d’expériences concrètes & conscientes de cette pratique.
Cette recherche s’inscrit de manière générale dans un large mouvement contemporain qui regroupe l’archive comme objet média, et l’archivage comme oeuvre & comme principe relationnel.
Une partie de cette recherche sera donc consacrée aux différents principes de documentations comme projet. Car il ne s’agit pas ici de lister un nombre d’expérimentations ou d’espaces d’archivages d’artistes dont le contenu serait intéressant, mais bien de s’emparer de ces outils et les transformer en matière à pratiquer une recherche jusqu’à en faire œuvre, tout en y portant un regard critique.

Responsable scientifique : Julie Morel
Équipe : Reynald Drouhin, Sylvie Ungauer, Dominique Moulon, Grégory Chatonsky, Gwenola Wagon, Karine Lebrun.
Financement : DAP / Association des écoles d’art de Bretagne.

Test sur La do ré

.

.

J’ai commencé à faire des tests de typo dont la structure serait déterminée par la récurrence des lettres dans un texte donné. Une typo unique au texte donc, qui ne pourrait pas être réutilisée.
A chaque fois que je me lance dans un nouveau projet, j’aime bien commencer par ce que j’appelle pour moi-même le « minimum syndical » : c’est à dire essayer la solution la plus simple, basique, car souvent c’est celle qui permet de faire les choix les plus radicaux, ou en tout cas de ne pas se perdre dans une complexité qui pourrait être régie par le discours.
Le premier essai a donc été construit sur une base de la typo « Digital« , pour le texte « La do ré » (avant de me lancer dans le texte de Marie pour le livre cube qui donnera une toute autre version). Chacune des lettres de cette version est constituée d’un nombre de points qui correspond au nombre d’occurrence de la lettre dans le texte. La grosseur des points est aussi la conséquence du pourcentage d’apparition de chaque lettre dans l’ensemble du texte (plus une lettre apparait souvent plus les points sont nombreux, et petits).



.

Agent

Depuis plusieurs mois, j’ai peu produit.
Une des raisons de ce ralentissement est un changement de mode de relation au travail et la conséquence du déséquilibre auquel j’ai dû faire face quand à la réalisation de cet état de fait qui s’est imposée petit à petit… Un changement de mode esthétique, car c’est peut-être de cela dont il s’agit ?
Je sais que depuis plusieurs années (comme pour nombre de personnes) mon travail artistique était une manière de me constituer, de me construire (je viens de faire un lapsus incroyable, je viens d’écrire « contredire » au lieu de « construire » ; ). Je me suis d’abord construite par le commun, via le collectif incident.net, puis par la rencontre d’autres individus ou dans mes rencontres affectives – toujours liées à la rencontre et au partage, à la fascination et/ou acceptation d’une certaine esthétique qui ne m’appartenait pas.
Récemment, mon mode de relation au travail s’est inversé, et j’ai l’impression d’être de plus en plus dans un rapport de type : « Ãªtre au service de ». Je suis au service de mon travail, et cela me paraît à la fois très intense et incroyablement solitaire comme manière d’envisager la vie. Pourtant je n’ai pas l’impression d’être dans une forme d’aliénation par le travail. Je suis plutôt un agent de mon travail (j’adore le mot agent, si souvent mal utilisé : un agent, c’est « l’être qui agit », dont l’opposé est patient, qui subit l’action).

Dans le train du retour de l’école mes lectures m’ont menées vers  le texte « Ã€ propos de la généalogie de l’éthique : un aperçu du travail en cours » (Dits et écrits, Foucault. p.1202), qui commente entre autre l’écriture du souci de soi.
Je crois que cette lecture tombe à point nommée, en tout cas elle raisonne comme étant proche des questions que je me pose sur ce changement d’état. Un extrait, mais tout le texte pose question…

Les Grecs étaient austères parce qu’ils recherchaient à avoir une belle vie et nous, aujourd’hui, nous cherchons à nous réaliser grâce au support de la psychologie.
-  Exactement. Je pense qu’il n’est pas du tout nécessaire de lier les problèmes moraux et le savoir scientifique. Parmi les inventions culturelles de l’humanité, il y tout un trésor de procédures, de techniques, d’idées, de mécanismes qui ne peuvent pas vraiment être réactivés mais qui, au moins, constituent ou aident à constituer une sorte de point de vue qui peut être utile pour analyser et pour transformer ce qui se passe autour de nous aujourd’hui.
Nous n’avons pas à choisir entre notre monde et le monde grec. Mais puisque nous pouvons observer que certains des grands principes de notre morale ont été liés à un moment donné à une esthétique de l’existence, je pense que ce genre d’analyse historique peut être utile. Pendant des siècles, nous avons eu la conviction qu’il y avait entre notre morale, notre morale individuelle, notre vie de tous les jours et les grandes structures politiques, sociales et économiques, des liens analytiques et que nous ne pouvions rien changer, par exemple, dans notre vie sexuelle ou dans notre vie familiale sans mettre en danger notre économie ou notre démocratie. Je crois que nous devons nous débarrasser de l’idée d’un lien analytique et nécessaire entre la morale et les autres structures sociales, économiques ou politiques.

Mais quel genre de morale pouvons-nous élaborer aujourd’hui lorsqu’on sait qu’entre la morale et les autres structures il n’y a que des conjonctions historiques et pas un lien de nécessité ?
– Ce qui m’étonne, c’est le fait que dans notre société l’art est devenu quelque chose qui n’est en rapport qu’avec des objets et non pas les individus ou la vie ; et aussi que l’art est un domaine spécialisé fait par des experts qui sont des artistes. Mais la vie de tout individu ne pourrait-elle pas être une Å“uvre d’art ? Pourquoi une lampe ou une maison sont-ils des objets d’art et non pas notre vie ?

Bien entendu, ce genre de projet est très commun dans des lieux comme Berkleley où des gens pensent que tout ce qu’ils font – de leur petit déjeuner à la façon dont ils font l’amour ou à la façon dont ils passent une journée – devrait trouver une forme accomplie.
– Mais j’ai peur que, dans la plupart de ces exemples, les gens pensent majoritairement que ce qu’ils font, s’ils vivent comme ils vivent, c’est parce qu’ils connaissent la vérité sur le désir, la vie, la nature, le corps, etc.

Mais si l’on doit se créer soi-même sans le recours à la connaissance et aux lois universelles, en quoi votre conception est-elle différente de l’existentialisme sartrien ?
– Du point de vue théorique, je pense que Sartre écarte l’idée de soi comme quelque chose qui nous est donné, mais grâce à la notion morale d’authenticité, il se replie sur l’idée qu’il faut être soi-même et vraiment soi-même.  À mon avis la seule conséquence pratique et acceptable de ce que Sartre a dit consiste à relier sa découverte théorique à la pratique créatrice et non plus à l’idée d’authenticité. Je pense qu’il n’y a qu’un seul débouché pratique à cette idée du soi qui n’est pas donné d’avance : nous devons faire de nous même une Å“uvre d’art. Dans ses analyses sur Baudelaire, Flaubert, etc., il est intéressant de voir que Sartre renvoie le travail créateur à un certain rapport à soi – l’auteur à lui-même – qui prend la forme de l’authenticité ou de l’inauthencité. Moi je voudrais dire exactement l’inverse : nous ne devrions pas lier l’activité créatrice d’un individu au rapport qu’il entretien avec lui-même, mais lier ce type de rapport à soi que l’on peut avoir à une activité créatrice.

– Cela fait penser à un cette remarque de Nietzsche dans le Gai Savoir (290), qui dit qu’il faut donner du style à sa vie « au prix d’un patient exercice et d’un travail quotidien ».
Oui. Mon point de vue est plus proche de Nietzsche que de Sartre.

.

Étrangement, après la lecture de ce texte, j’ai repensé à cette fascination qu’exerce sur moi le travail de Chris Burden, que j’ai toujours trouvé incroyablement pudique (ce n’est pourtant pas premier qualificatif qui viendrait à l’esprit, j’en conviens), mais je me suis dit que ce qualificatif était assez juste, car la force du travail de Burden c’est de s’éloigner du spectaculaire (alors que son sujet en traite sans arrêt) et de résider sûrement dans cette mise à disposition de son être, dans le fait d’être un agent – jusque dans sa chair – de son travail, dans une grande maîtrise et en même temps dans une extrême fragilité.

Nouveau projet, et test d’après « La Do Ré »

Un nouveau projet : une collaboration avec Marie de Quatrebarbes (qui va écrire les textes) pour le développement du contenu d’un livre cubique, à lectures combinatoires, conçu par Étienne Mineur dans le cadre de ses éditions volumiques.
Ce livre, pour le moment vierge, est construit sur une base de trois pages que l’on peut déplier et qui donnent chacun un chemin de lecture différent.

J’ai décidé de relire le livre très rigolo de Simon Singh, »l’invention des codes secrets », car après quelques discussions autour du texte de Marie, j’ai pris une piste de recherche graphique qui tourneraient autour du secret, et plus précisément du chiffrage et du déchiffrage d’un secret, ce qui me permet d’explorer une fois de plus des questions d’illisibilité/lisibilité dans le texte, de systèmes de signes reconnaissables comme étant de l’écriture, mais ne pouvant être lus. Cela me permet aussi de travailler sur une chose qui m’habite depuis longtemps : la récurrence des lettres et ponctuation dans un texte (que j’avais déjà exploré dans le générateur de texte « I Scream, You Scream, We all Scream for an Ice Cream« .
Il y a tout un chapitre dans le livre de Singh qui est consacré à cela…

L’idée qui se profile serait donc de produire une typographie spécifique à ce texte, et dont la structure se baserait sur une grille déterminée par la récurrence des lettres dans celui ci…
J’ai commencé à tenter l’expérience sur un texte assez court (avant de me lancer sur le texte très loooong de Marie ; ) celui que Yannick Liron a écrit pour un autre de mes projets, et qui s’intitule « La do ré ».

– Nombre de lettres de A à Z :
81-12-24-36-186-5-17-2-12-10-5-52-12-62-33-77-56-30-13-76-75-72-81-8-2-1

– Visualisation des lettres de A à Z :
aaaaaaaaaaaaaaaaAaaaaaaaaaaaaaAaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaa
bbbBbBbbbbbb
ccccccccccccccccccCccçcc
dddddddddddddddddddddddddddddddddddd
Eeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeee
eeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeee
eeeeeeeeeeeeeeeeee
ffffffffffff
gggggggggg
hhhhh
iiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiiIî
jjjjj
lllllllllLllllllllllllllllllllllllllllllllllllllllLllllLlllLll
mmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmmMmm
nnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnn
oooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooooOOOOooooô
pppppppppppppppppppppppppppppp
Qqqqqqqqqqqqq
rrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrrr
Sssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssssss
tttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttttt
uuuuuUuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuuu
vvvvvvvv
x xy

Little Big bang, du 24 septembre au 8 octobre 2010 / Plateforme – Paris

C’est le titre de l’exposition à laquelle je contribue ce soir, qui marque l’ouverture de « Plateforme« .
> Vernissage le 24 septembre 2010 à 18h

Plateforme est un lieu de diffusion, de création et de ressource pour l’art contemporain qui fonctionne comme un espace partagé et fédérateur au sein duquel les artistes se réunissent dans la volonté d’une synergie des potentiels imaginatifs, créatifs et des compétences de chacun pour proposer une expérience alternative. Ce projet de lieu d’échange entre artistes, commissaires et publics est porté par L’entreprise, structure parisienne qui regroupe une cinquantaine d’artistes internationaux. Chaque mois Plateforme présente une exposition d’environ deux semaines suivie d’une programmation plus évènementielle (performances, projections…) tournée essentiellement vers l’expérimentation et la recherche. La sélection est orientée vers des pratiques artistiques exigeantes. Elle propose des projets d’artistes confirmés, nationaux et internationaux et ceux de la scène émergente. Plateforme s’inscrit dans la ville comme une passerelle pouvant rapprocher les disciplines et les formes pour construire au fil des rencontres et des découvertes les échanges indispensables à une expérience artistique et sociale intellectuellement et humainement stimulante.

Plateforme
73 rue des Haies
75020 Paris
Métro : Avron ou Nation
Tel : 01 40 09 71 84

Partition, exposition aux Archives départementales de la Dordogne, 15 sept 2010

Du 15 septembre au 5 novembre 2010 – Archives départementales de la Dordogne
Vernissage : Jeudi 16 septembre 2010 à 18h

Sur la Pelouse © Julie Morel 2009-2010

.

« Julie Morel a découvert la partothèque des Archives départementales et le fond de partitions d’Elie Dupeyrat, éditeur de musique de bal, implanté à Ribérac à la fin du XIXème siècle. Elle en a sélectionné douze titres tels que Sur la pelouse, CÅ“ur brisé, En revenant de Bourgogne, Étoiles filantes… et en propose une interprétation contemporaine, via l’outil informatique, qui mêlera écritures & notations et production de morceaux électro-pop.
Ainsi, aux Archives départementales, elle sonorise les casiers servant aux utilisateurs à déposer leurs affaires personnelles avant d’entrer en salle de lecture. Aux visiteurs, elle propose la projection d’une vidéo réalisée à partir des signes graphiques de partitions et une application lumineuse : des néons reprenant sept titres dans un caractère proche de l’écriture en braille.
Des Å“uvres qui réactivent une partie du domaine historique par le biais de programmes informatiques. Nous voilà au cÅ“ur de multiples formes de langage où la recherche sonore acquière une dimension plastique. »

Hyperpropre / Performance au CAN

Hyperpropre, au CAN, Neuchâtel.
Ces derniers jours, mon projet de couleurs hyperactives a glissé d’un projet d’installation assez formel vers une proposition plus performative. J’étais partie sur la traduction des couleurs des additifs alimentaires qui sont censés rendre hyperactif, et je voulais installer ces couleurs dans les vitrines du port.
Ces vitrines ont été abandonnées puis utilisées pour nombres de performances d’artistes cette semaine et sont dans un sale état. La chose logique était donc de les nettoyer pour pouvoir installer mon projet. Et puis ces derniers jours, réfléchissant à l’absurdité de nettoyer systématiquement un lieu pour installer une proposition artistique (de plus), je me suis mise à réfléchir – assez superficiellement – au nettoyage en général, et au nettoyage en particulier dans l’histoire de l’art. J’ai bien sûr pensé en premiers lieux aux conneries racistes du président français, aux côtés policés des choses dans la vie occidentale, à la campagne de publicité pour se laver les mains contre le H1N1, et aussi à cette ville si propre qu’est Neuchâtel (à tel point que ces vitrines seraient le dernier bastion d’un abandon « urbain »), au côté territorial du nettoyage ou du souillage.
Je me suis mise au travail, d’abord avec l’aspirateur (un boucan pas habituel dans ce port tranquille) ce qui m’a laissé le temps de penser, en vrac, à l’inutilité de l’effort (Francis Alÿs) et à ses barenderros, et aussi à sa phrase toute bête “Sometimes doing something poetic can become political and sometimes doing something political can become poetic”, au nettoyage à l’envers, et au nettoyage d’os de Marina Abramovitch.
Aujourd’hui 3ème jour de nettoyage, je me suis rendue sur place avec un seau d’eau savonneuse et des éponges. Au fur et à mesure que je nettoyais, c’est la dimension plastique du matériau qui a commencé à ressortir. Et cette nuit, quand j’ai allumé la lumière, le projet a, à nouveau, glissé vers un domaine plus formel, plus plastique.
Suite demain…

hypercolor

Aujourd’hui durant le forum, discussion assez échauffée avec le groupe zürichois Bury the Jumbo, qui  emploie des moyens ultra-libéraux et toujours très spectaculaires pour diffuser des artistes, mais sans en avoir conscience… ni réaliser que c’est surtout leur auto-promotion qu’ils font par le biais de leurs dispositifs. La discussion a donc porté sur l’annulation de la critique quand il y a spectacularisation des propositions artistiques dans l’espace public. C’était un peu difficile car nous n’avions aucunes références communes. C’est dommage, j’aurais bien voulu pouvoir échanger des idées sur ce sujet…

Pour les projets vus aujourd’hui, ceux que j’ai le plus appréciés sont : « Revolve around » de Massimiliano Baldassarri, et le « Money tree » de Cris Faria.

Et j’ai ensuite eu le temps d’imprimer la série de tests pantones qui me semblait la plus efficace.

Artifices

Hier, Fête Nat. à Neuchâtel. Comme toutes les villes aux alentours du lac y vont de leur feux, ça donne un effet de profondeur assez étrange, pas du tout visible sur ces photos ; )

Colorant & additif

Quelques photos de la promenade et du port de Neuchâtel où je vais intervenir dans le cadre de « Hyperactivity ». En plein milieu d’un espace très passant, dédié au loisir et au tourisme, les vitrines du port sont laissées à l’abandon, elles s’allument le soir et dispensent une lumière quand le lieu se vide (cet endroit de Neuchâtel est pratiquement mort le soir).

En arrivant, j’avais envie de travailler avec ces vitrines (d’abord avec du grillage, à utiliser comme grille pour du texte, puis je suis partie sur autre chose…) et de les utiliser de façon minimaliste et presque invisible, peut-être simplement avec de la couleur).

Hier en faisant quelques recherches sur l’hyperactivité, je suis tombée sur la liste des colorants et additifs alimentaires que l’on trouve principalement dans les bonbons, et qui sont censés augmenter l’hyperactivité et l’impulsivité des enfants, et favoriser les troubles de l’attention. Ces colorants sont listés par des numéros (E 110, etc..), et peuvent donc être traduit en code couleurs Pantone (j’avais envie d’utiliser des Pantones depuis le début, clin d’Å“il à la Suisse – pays du design ;-)
Demain, je fais quelques tests de couleur, ensuite je me rends au port pour faire des tests, puis course au magasin de peinture avec Julian, le technicien du CAN.

Arrivée

Après un court passage à Berne, me voici depuis ce matin au CAN à Neuchâtel sous un déluge de pluie hyperactive. Images de l’espace de travail, avant la discussion de midi avec les autres artistes. Cet après-midi, après la promenade pour aller voir le travail d’un des artistes, j’irai faire un repérage des lieux où monter mon projet.

Légendes

Ce matin avec Camille, nous avons réfléchi au dispositif scénique et à la dramaturgie pour le spectacle Speech qui aura lieu ce soir (on est en retard !). Nous avons mis en place le début et la fin de la représentation, mais il manque un lien… L’idée serait de travailler à partir d’un extrait de texte que j’avais écrit pour un article intitulé « je est un autre sur internet », car cet extrait traite de la légende, et depuis le début nous semblons tourner autour de cette idée sans vraiment la nommer.

De la légende
La légende, c’est une petite phrase courte, en tout petit, parfois en italique, en dessous d’une image, qui nous donne l’explication, la date ou le contexte de la-dite image.
Tout le monde le sais, une légende, (de l’adjectif legenda, «qui doit être lu»), c’est aussi « un récit mis par écrit pour être lu publiquement ».
Dans Facebook, les deux sens du mot légende se retrouvent mêlés: la petite phrase écrite en bas de l’image devient grande, elle acquière son autonomie, et l’anecdotique est livrée à une audience, au spectateur 2.0.

C’est donc par cette petite porte qu’aujourd’hui nous écrivons et décrivons nos vies (parfois en plus grand qu’elles ne sont ?). Nous avons besoin de fictionnaliser nos propres vies, nous avons besoin de les légender. C’est un mouvement naturel qui n’est pas dû à l’émergence du réseau : la fiction a toujours servie de régulateur de la réalité et toute famille, ou tout groupe d’individus, possèdent sa ou ses légendes, ses héros, ses traitres, ses challengers.. Ces récits qui participent au bon fonctionnement psychique et ont pour fonction de transmettre au groupe des éléments conscients et inconscients, bref de faire d’une chose individuelle une chose partagée, d’une chose commune une chose partagée.
Mais dans les réseaux sociaux, ce partage est étrange. C’est le flux qui y domine, les légendes s’empilent les unes sur les autres, les légendes se compilent les unes avec les autres. Parfois, les commentaires ralentissent les flux, parfois les compilations fédèrent des groupes…

Mais l’étrangeté et la nouveauté résident surtout dans le fait que l’histoire globale n’est la même pour personne. Personne n’a accès à la même légende : l’histoire est customisée, et le commun variable, chaque spectateur voit défiler une histoire différente.

Langages numériques & arts visuels : rencontre au musée des B-A de Nantes le 17 juin

Jeudi 17 juin 2010 à 18h30, PiNG propose en collaboration avec le Musée des Beaux-Arts de Nantes la 3ème rencontre du cycle « Histoire(s) de l’art numérique », dans le cadre du chantier reNUM.
J’interviendrai donc sur le thème : « My life is an Interactive Fiction » : langages numériques et arts visuels ».

Depuis quelques temps dans mes recherches, il semblerait que le texte ai pris le dessus, dans sa dimension plastique, pour laisser de côté le système de langage qui lui était affecté – celui de l’ordinateur. J’espère que cette conférence sera l’occasion de me ré-interroger sur ma pratique liant le mot et l’ordinateur, l’occasion aussi de faire le point.

À ce jour, les deux projets en cours, « partition » et « You’ve Been Chosen as an Extra in Movie Adaptation of the Sequel to your Life », se concentrent sur des dispositifs. Et le texte (dans son contenu ou dans sa forme) est le porteur de ce rapport de force contingent à tous types de dispositifs…
Dans mes expérimentations, l’idée de dispositif a émergé assez récemment et naturellement puisque j’ai souvent envisagé une proposition plastique comme un mécanisme à même de révéler les forces à l’Å“uvre, agissantes, fonctionnelles ou passives à l’intérieur de relations (qu’elles soient plastiques-formelles ou humaines d’ailleurs).
J’aime beaucoup le mot dispositif, et disposition qui viennent du mot préparer et choisir. De même que les mots mécanisme, fonction, et appareil. Tous ces mots qui nous font croire que nous avons le pouvoir (alors que le dispositif se joue sans cesse de nous, qu’une fonction n’est qu’un système fermé qui doit sans cesse être détourné et corrompu – profané, mais avec quels moyens ? -, qu’un appareil demande une alimentation constante, et qui la lui donne ? ).

Alors cette phrase « My Life is an Interactive Fiction » prend là aussi son sens. Celui de mise à disposition. Oui, ma vie, ma subjectivation, par le biais des mots notamment, n’est que de la fiction, un appareil fictionnel qui demande qu’à être nourrit, un ensemble de dispositifs visuels qui permettent et essayent de tester le réel.
… À disposition de quoi ?

wakeup1

Retour aux archives

De retour à Périgueux, je lis. Quelques extraits de « L’Å“uvrette » de Yannick Liron (qui écrit en ce moment un texte pour l’édition « Partition » : )
Dans l’interprétation que j’en fais, ce livre, tout comme « Sans effet personnel », est proche du projet que je développe en ce moment. Ce sont deux livres de partitions amoureuses : instrument de lecture du discours amoureux, écriture de l’incapacité de deux pronoms à exister l’un par rapport à l’autre, où l’absence d’un texte sur l’autre est formellement assumés (l’un et l’autre livre fonctionnent ensemble – fonctionnant étant le mot le plus sec que l’on puisse utiliser pour cette relation qui lie les deux ouvrages).
Les textes posent la question du rapport entre travail et expérience intime. Quand le travail me sert, quand il devint un moyen de formuler correctement un sentiment ou un ressentis, quand d’un seul coup, le sentiment devient une idée, ainsi acceptable. Et qu’à ce moment là, la situation se retourne et je me retrouve à nouveau au service de mon travail et non l’inverse…

En voici quelques extraits. Je n’ai pas mis les textes dans l’ordre d’apparition du livre (ils sont tous tirés de « L’Å“uvrette ») mais dans l’ordre de mes préférences dans une lecture non-linéaire. J’ai gardé les retours de ligne, qui semblent importants, mais la police n’est pas respectée.

28  Le corps de la lettre. Unité nomade complète possédant ses membranes, présentant ses ouverture et ses orifices ; à brancher directement sur « en prise directe ».

2  Tout les sépare donc. Répéter trois syllabes et buter ;
il tout elle ne partagent pas avec nous. Point. Et pas
de fuite. Il a la largeur de deux lettres, elle de quatre.
La première version, dite « de la différence de quatre »
peut se fabriquer simplement : il diffère d’elle par un
« i », puis un « e », puis un « l » suivit d’un deuxième
« e ». Quand à la seconde, dire « de la différence de trois »,
elle peut se construire tout aussi simplement : il ne
ressemble pas à elle étant donné le « i » précédemment
cité, suivi des deux « e » également présents dans la
première version. Dans cette version, dite « de la
différence de trois », le « l » disparaît selon le principe
qu’un « l » répète un même « l », seulement déplacé et
reconduit. Cependant dans la typographie ici choisie
(du nom de Gill sans), on remarquera que le « i »
majuscule répète un « l ». D’où cette interrogation : ce
« il », comment le prononcer : « il »? ou bien « elle
elle »?

7  lltéralement stricto autobio.

8  El. le susceptible d’être ôté. Tout encore les sépare.
Et qu’écrire d’ile, ou depuis ile, ou de quel non-site
désormais?

11  Faudrait-il d’un pronom se soucier de ses dessous,
songeant aux moyens de les lui ôter?

17  Quelque soit l’énoncé, quelque soit ce qu’il dit,
quelque soit ce qui peut venir, voire, insoupçonné, se
maintenir en lui quelque soit ce qu’il peut saisir : inexprimé.

26  Les modèles collent. Comment se débarrasser de cette consistance, crever la bulle? Comment interroger ce soi-disant donné d’unité de mesure? Comment qui? Comment quoi? Comment quand? Comment où? Comment comment? Comment qu’il dit : « Cela arrive bien quelquefois dans les livres. » Comment qu’elle répond : « Eh bien, que cela arrive à quelqu’un d’autre. »

Dans son laconisme répétitif je t’embrasse est une image
surdéterminée par une profusion de renvois, volontaires
ou non, des permutations et des déplacements qui
affectent les figures qui l’habitent et rendent sa lecture
interminable.

Ces textes sont publiés chez Action Poétique.

Néon & musique & braille

En faisant des recherches (assez peu fructueuses) sur la relation que pourraient entretenir néon et musique – cela me paraissait évident mais à part les signes lumineux représentants bière et guitares électriques, pas grand chose…- je n’ai vu que sur cette image de la pochette d’Arcade Fire, musique qui m’a donc finalement accompagnée aujourd’hui.
> Virgin Mary Highway
Puis je suis passée sur les connexions possibles entre néon et braille et je suis tombée sur Braille Ligado de Detanico & Lain dont le travail me touche toujours beaucoup dans ce qu’il entretient avec l’écriture, la traduction et la transformation quasi systématique qu’ils opèrent entre différents signes langagiers.

NeonBible_poster

braille_neon

La fabrique du commun au 104, les 26/27/28 mai 2010

Fabrique_du_commun_Julie_morel

Dans le cadre de « la fabrique du commun » organisée par Kom.post et Relais Culture Europe, je suis en train de mettre au point le livret pour le programme, ainsi que la signalétique qui doit à la fois s’intégrer dans le lieu mais aussi s’en démarquer. Il faut qu’elle soit repérable immédiatement par les utilisateurs de la Fabrique du commun qui chercheraient leur chemin – car les lieux pratiqués sont aux 4 coins du 104….
L’ouverture de la fabrique donnera aussi lieu à une conférence Upgrade! Paris, le 26 mai à 16h30 (Atelier 11), avec le collectif 1.0.3, et Benjamin Cadon, Adelin Schweitzer et Cédric Lachasse.

.

sharedfactory

sharedfactory2

cover

Dire que quelque chose est impossible alors qu’on n’a même pas tenté de le faire.
Ne pas essayer serait une cruelle excuse, une abdication, une résignation (abandon volontaire d’un droit) ou une résiliation (acte par lequel on met fin à un contrat).
Et tout est à double sens, et à double tranchant (qui est dur et effilé, peut diviser, couper).

Couverture partition – test#2

partition_Julie_morel

Avant/après, versions et changement d’échelle

Le projet partition est un travail dont le processus joue et se base sur une transition constante : celle de la partition originale vers sa traduction, via Sharpeye, en fichier son Midi, puis celle du fichier Midi obtenu vers son interprétation visuelle dans le logiciel de musique Live, et dans Live, d’une visualisation à 100% vers un zoom important pour pouvoir recomposer un morceau sonore. Et si j’envisage son projet dans sa globalité, il y aura encore nombre de transferts et transformations, la dernière étant effectuée dans l’installation même : le passage à une image musicale, celle des néons et de la traduction des déplacements du spectateur faisant varier la bande son.

Depuis ce matin, je passe d’une image à l’autre. Car il s’agit bien d’image ici, malgré le fait que je travaille de la matière sonore.
CoeurBrisé_1Piston1

> Le morceau midi brut, résultat du scan de la partition et le morceau-démo une fois retravaillée dans Live :

[display_podcast]

.

> Visualisation dans Live du fichier global, et d’un zoom sur une partie du morceau. Ce changement constant d’échelles a été ce qu’il y a eu de plus difficile a gérer pour moi aujourd’hui : je passe constamment d’une vision globale à une vision fragmentaire du morceau (du coup je repense à la conversation avec David avant-hier sur les différents types de détection visuelle du cerveau… ; ) . A chaque fois que j’opère un zoom, je sens réellement l’effort que produit mon cerveau pour analyser ce nouveau schéma abstrait et l’effort pour remettre en place les sons qui correspondent aux signes…

live1

live2

Texte + T_T = TxT, du 8 au 30 avril, Galerie de l’école supérieure d’art, Lorient

J’ai reçu hier les invitations que j’ai réalise pour l’exposition TXT qui débutera jeudi 8 avril à la Galerie de l’école des beaux-art de Lorient, et dont j’ai assuré le commissariat. Cette exposition clôture le cycle 2010 des résidences Géographies variables à Lorient (prochaine résidence au printemps 2011).

Seront présentés les travaux de Art of Failure, Christophe Bruno, Collectif 1.0.3, Reynald Drouhin, Derek Jarman, Etienne Pressager, Martha Rosler, Antoine Schmitt, et un espace de consultation d’œuvres vidéos et interactives sur internet.

txt_carton2

txt_carton3

La lettre et le mot sont indissociables des productions de l’art moderne (dadaïsme, futurisme, Sécession viennoise…). L’art contemporain est lui aussi ponctué de travaux d’artistes qui ont utilisé le texte comme support, de Joseph Kosuth à Jenny Holzer, de Lawrence Weiner à Doug Aitken.
Depuis le développement de l’ordinateur, et encore plus avec l’apparition d’internet, le texte qui se contentait auparavant d’investir l’aspect formel de l’œuvre est maintenant présent dans la structure même de celle-ci. Les langages informatiques ont, de par leur nature spécifique (discrète, fragmentaire & modulable, etc.), produit des pièces à l’esthétique particulière qui se sont peu à peu propagée dans les autres domaines des arts visuels.

Cette exposition dresse un panorama non exhaustif et souligne la textualité comme entité commune à – et permettant des passerelles entre – art contemporain & art numérique, design graphique, cinéma d’animation. Elle se développe sous forme de parcours qui prend sa source dans le texte virtuel et structurel pour aller vers le texte image ou en volume.

Facebook as a symbolic fiction.

sondes

Facebook as a symbolic fiction /// Spectators 2.0 as the feeding material of that fiction.

So we all know that fiction is a way to structure reality. It enables me to perceive the reality and is a condition of my accepting it. And we use fiction as a way to interrogate it.
Ex : Like when an event is too traumatic or too violent, (whether it is overly happy or horribly sad), it shatters the coordinate of our reality, so you  have to fictionalized it.
If on the contrary you take away from our reality the symbolic fictions that regulate it, you can’t get hold of reality anymore… you lose ground

Facebook is for me a machine for fiction, or I should rather say, it is a machine that process events into a strange form of fiction. A kind of written (or multimedia, but not as often) fiction that is unstable and that fluctuates all the time. And a fiction without authors.
Variable & interactive narrations is often seen as a way to get to the structure of narration itself (instead of being an occurrence of a story). It reveals the archetypes and also enriches the questioning by multiplying it. But here, we are beyond variable, and as Camille noticed, we are in a totally instable fiction, that rearrange itself all the time.

So I am asking myself : if a fiction rearrange itself all the time, how can it fulfils its regulating role?

Finally, if I have enough distance and observe Facebook, it becomes a tool that allows me to perceive, not the reality behind the illusion but the reality in illusion itself. Facebook is like Wonderland: if you stay an outsider (a spectator) you can see reality “through the looking glass”, that is to say you can read reality that is contained into illusion. If you become an actor, then you are fucked! You become the thing Facebook feeds on.

Keywords

Hier après-midi, pour mettre en place une méthodologie de production, Kom.post s’est interrogé sur ce qu’un spectateur observe et relève de son environnement lorsqu’il assiste à un spectacle vivant. Les réponses ont fusées et l’on a tenté de n’en retenir que des mots génériques qui constitueraient des catégories pour la proposition liée à Facebook.

Potentiality / The Expectation – before the beginning / Creativity / Bugs / The Costumes / Occupation of Space / Physical point of view / Other spectators / Space / Technical / Judgment / Reference / Am I surprised? / Do I have the opportunity to be alone / Rhythm / Time / Superficial / The outside / The absence

Sonde & morts vivants

Aujourd’hui, premier contact avec les sondes de la Chartreuse, avec Camille Louis et Emmanuel Guez.

Ce matin avec Camille, discussion autour de la thématique catastrophe qui sera explorée par l’une des sondes (qui n’est pas la thématique dont nous allons traiter, puisque nous nous poserons la question du spectateur 2.0, mais la lecture du texte « invention de la catastrophe au XVIIIe » qui nous avait été envoyé m’a interpelée…).

Le texte parle de cette dissociation entre dénouement et catastrophe, qui avant le XVIIIe siècle signifiait la même chose.

Donc : le dénouement marque une fin / La catastrophe est la conséquence du dénouement.

De manière très basique, dans une tragédie, quelle catastrophe est la plus commune, je me le demandais ? Et par catastrophe, je parle d’un dénouement de nature dite complexe (donc pas une catastrophe naturelle, mais plutôt un renversement lié au personnage agissant). Quel évènement force au dénouement, sans retour possible ?

La catastrophe ultime pour une fiction, c’est la mort du héros. Et logiquement la mort arrête la dramaturgie. Dans ce cas, il n’y a plus d’histoires possibles après cette mort.

Ou bien?

Alors que l’on est dans une société de flux, ou la fiction repose sur les flux (voir internet, voir les séries télévisées…) d’évènements et de catastrophes continuels, comment continuer l’histoire ? Et quelle est la figure la plus à même de représenter cette idée de flux ?
Je me demandais si ce « système » de catastrophes n’était pas rendu obsolète ou inversé, et que l’on est aujourd’hui juste dans une succession de catastrophes, qui finalement repoussent l’issue, le dénouement, continuellement.

Du coup je me disais que logiquement, la figure la plus proche est celle du mort-vivant. Le mort-vivant n’étant qu’une succession de catastrophes qui s’enchainent dans un flux ininterrompu…
On a beau tuer un mort-vivant, il se relève toujours. Il tombe, il se relève, indéfiniment.

http://fr.wikipedia.org/wiki/Zombi_%28mort-vivant%29

Et bien sûr, je ne peux pas résister à poster ce vieux lien de Derren Brown, ce showman anglais qui a réalisé une de ces émissions (franchement contestable !) pour Channel 4…

chartreuse

chartreuse2