Archive mensuelles: décembre 2011

Vagues scélérates

Un petit rappel, en anglais, de pleins de choses déjà vues, ou en cours, pour le projet Clipperton.
À lire aussi ICI.

On the first page of « Islands, still boats », his introduction to the « Atlas of Remote Islands« , Olivier de Kersauson reminds that heaven and hell are often close on faraway islands, but that islands are hardly innocent in the matter.
As for examples, he quotes 2 islands: Pitcairn, and Clipperton.
That was my first acquaintance to Clipperton, in French called « île de la Passion », an island that strangely looks like a ring. Yes, maybe islands are not innocent.
Reading more on the matter of remote islands, I was not surprise to see that one island could have many names (depending on the nation discovering or claiming it), and that once again, naming something gives it an existence, a history, a context, and indexes it, immediately.
Yes words have that power, weather it is territory in the middle of the sea, or a territory of research. Art words. Science words. That is my project on Clipperton: observing similarities and differences between the terms, language used in art and science. Defining a corpus of vocabulary from both of these fields, examining the gaps and common ideas they share to produce a visual work out of it.

So as a start, it is fair to look at a few words (sometimes pictures) that came to my attention this last 2 months – subjectively or by searching the internet or libraries. Some are self explanatory, some have comments. But I  think are all related to the temporality of the Clipperton project and classified as such:
– The journey
/ waves / being at sea. Anticipation & projection
– The stay / being there working
Being back / Undulations / The output of the project.


  • -The journey / waves / Being at sea.

Vagues scélérates (Rogue waves)
« Les vagues scélérates » are large and spontaneous ocean surface waves that occur far out in sea, they seem not to have a single distinct cause and for the longest time where a myth. The French “scélérate” means “perfidious”, which I quite like because it defines the phenomenon in relation to others (here sailors), not just its quality.

Vija Celmins
A few years back, at the Pompidou Centre, I saw Vija Celmins‘ desolated drawings of sea, sky and desert.

  • The stay, being there.

Clipperton as a boat



This picture was taken during a weeklong workshop at the Brittany School of Art (Lorient), where I teach. The workshop, with artist Laurent Tixador (who is actually on his journey to the Kerguelen islands), was a bivouac and occupation of the school. Coming across it recently, I realise how Clippertonian this exepriment was and how Clippertonian the boat I slept on was..
In the beginning of my participating of the project, I went on GoogleEarth to see what Clipperton Island « really » looks like. What I found was more the visualisation of a still floating vessel (or a little like a cloud) than an island as such.
This floating vessel sent me back to Olivier de Kersauson’s introduction, but also, and more importantly to Michel Foucault best example of heterotopias.

Heterotopia, from a boat to heterotopia.

Being on Clipperton is also the occasion to look at this expedition as an exploration of a sorts of heterotopias. An heterotopias is a concept in human geography: a concrete space that holds imagination, reality and fantasy at the same time.
They are spaces of otherness, which are neither here nor there, that are simultaneously physical and mental. (ex: space of a phone call or the moment when you see yourself in the mirror).
Contrary to utopia which is an idea or an image representing a perfected version of society, Foucault uses the term heterotopias to describe a physical representation or approximation of an utopia, or a parallel space that contains undesirable bodies to make a real utopian space possible.

« First there are the utopias. Utopias are sites with no real place. They are sites that have a general relation of direct or inverted analogy with the real space of Society. They present society itself in a perfected form, or else society turned upside down, but in any case these utopias are fundamentally unreal spaces.

There are also, probably in every culture, in every civilization, real places – places that do exist and that are formed in the very founding of society – which are something like counter-sites, a kind of effectively enacted utopia in which the real sites, all the other real sites that can be found within the culture, are simultaneously represented, contested, and inverted. Places of this kind are outside of all places, even though it may be possible to indicate their location in reality. Because these places are absolutely different from all the sites that they reflect and speak about, I shall call them, by way of contrast to utopias, heterotopias ».
(For whole text and various category/principle descriptions of heterotopias:

Collect & navigation

These 2 words could summarise both my usual computer-based practice as an artist, the general objectif on this expedition to Clipperton, and the method of my enquieries.
Coral Reef
A lot of the talk around the Clipperton project is about coral reef life. This could be one good case of study on how artists and scientists projects their works. Data and representation are probably two sides of the same coin. Where could they meet?
The Institute for Figuring offered an incredible answer a few years back, with their project “Crochet reef. » The inspiration for making crochet reef forms begins with the technique of « hyperbolic crochet » discovered in 1997 by Cornell University mathematician Dr. Daina Taimina. The Wertheim sisters adopted Dr Taimina’s techniques and elaborated upon them to develop a whole taxonomy of reef-life forms.


« Crochet Coral and Anemone Garden » with sea slug by Marianne Midelburg.
Photos © The IFF by Alyssa Gorelick.

Loopy « kelps », fringed « anemones », crenelated « sea slugs », and curlicued « corals » have all been modeled with these methods. The basic process for making these forms is a simple pattern or algorithm, which on its own produces a mathematically pure shape, but by varying or mutating this algorithm, endless variations and permutations of shape and form can be produced. The Crochet Reef project thus becomes an on-going evolutionary experiment in which the worldwide community of Reefers brings into being an ever-evolving crochet « tree of life. »

  • Coming back. The output of the project.

Graphical method
“La méthode graphique”, developed by Etienne-Jules Marey consist in a mechanical transcription (on paper or on a sensitive surface) of pulsations, vibrations, undulations, quakes, and shivering produced by the movement of all living bodies or moving objects. The obtained graphic is the spatial memory, which enables us to see the variation of movement during a certain time. This information can either be continuous or non-continuous.
The graphical method made possible the knowledge of a number of phenomenon in medicine, physiology, natural sciences, and physics. These recording devices have for the first time in history, a graphical representation of movement or phenomenon invisible to the eye.

Etienne-Jules Marey, walking.

To end this post, I would like to quote Georges Didi-Huberman, who, speaking about the mareysienne curve sayd that it “transforms the idea of the phenomenon and its possibility of image” ( transforme à la fois l’idée du phénomène et celle de sa possibilité d’image).

If I had a definition for what is art (I have too many) it would be very close.
A vast program J



« Time of Hashsashins »


« From the Travel of Jonathan Harker »

Je reviens de la Biennale et autres manifestations en cours à Lyon. Ce qui m’a le plus marquée ne fait pas partie de la biennale : elle a lieu à l’IAC (Villeurbanne), il s’agit d’une exposition conséquente de Joachim Koester, « Of Spirits and Empty Spaces », incroyable par sa densité et la précision des travaux présentés.
Les premières salles/pièces permettent une immersion dans l’univers de Koester :
La première, enchevêtrement de doigts sur enchevêtrement de planches, dont le titre (Variations of Incomplete Open) situe la « famille » artistique tout en posant certains principes que l’on retrouve tout au long dans l’exposition (déplacement, transposition, transe, chorégraphie, paradoxe conceptuel-sensible..).
La deuxième salle est comme un sas, une lampe marocaine nous y accueille et éclaire la photo d’un escalier menant à un château en ruine? ..Le texte justement, fait référence à la manière dont est accueilli le narrateur d’une histoire potentielle.
Dans la troisième salle on se retrouve face à une photo ancienne (imprimée en grand format) d’un intérieur bourgeois, qui ressemble à une bibliothèque ou un fumoir. Lorsqu’on passe devant le projecteur 16mn situé à l’opposé, se déclenche sur la photo, comme par magie (en fait grâce à un capteur de présence, le même que j’ai utilisé pour « le virus s’appelait.. » – je l’ai vite repéré ; ) une projection de ce qui pourrait être des feuilles de haschich ou encore des vampires/chauves-souris en train de s’envoler. Le titre « The Hashish Club« , donne raison à la première version, alors que la salle suivante, des photos intitulées « From the Travel of Jonathan Harker » nous replonge immédiatement dans la deuxième hypothèse.
Pour accéder à la 4ème salle, on repasse devant « The Hashish Club« , et l’on prend conscience de ce jeu de va-et vient entre différentes interprétations, hypnotisant va-et-vient, sur lequel joue Koester et qui, de salle en salle, nous emmènera très loin – sans que l’on s’en aperçoive – dans des transpositions entre documentaire et fiction, entre expérience intellectuelle et expérience sensible. On se laisse guider, comme si l’on marchait éveillé (et éveillé il faut pourtant l’être pour appréhender toutes les subtilités des différentes propositions), jusqu’à se retrouver à nouveau dans des salles très (trop) éclairées, comme si l’on émergeait d’un état second.

« Tantrisme » Un extrait de « Tantrism » sur youtube.

Bref, j’ai énormément apprécié cette exposition, elle va me hanter longtemps ; ) ..J’en ai d’autant plus tirée du plaisir qu’elle flirte avec des choses que je suis en train de voir/lire pour le projet Rheum Nobile : des lectures de Lovecraft aux  déplacements de sens entre faits scientifiques réels et construction d’une narration dans le but d’interroger justement cette réalité, « abolition volontaire des frontières entre approche conceptuelle et empirisme », ou encore la réactivation de légendes populaires entre expérimental et conceptuel.

JOACHIM KOESTER à l’Institut d’art contemporain from Institut d’art contemporain on Vimeo.



Catalogue de Julie Morel, Édition de l’ACDD/Drac Aquitaine
« My Life is an Interactive Fiction » est mon premier catalogue!
Il regroupe une sélection de travaux : plutôt qu’un listing exhaustifs de projets, le catalogue fait le point sur un des axes de ma pratique, lié à des projets interactifs et textuels. J’ai donc sélectionné une douzaine de travaux qui sont connectés entre eux, se suivent ou se répondent. Il sont décrits brièvement, dans leurs contextes et enjeux, et certains sont analysés et commentés par des textes de critiques d’art ou chargés de programmation de lieux d’art contemporain (Camille de Singly, Damien Simon, Olivier Belhomme).

Édité et produit par l’ACDD/Drac Aquitaine, il est distribué par l’agence Culturelle départementale de la Dordogne. Vous pouvez donc le commander en vous adressant là ou à Violaine Marolleau, résidence de l’art en Dordogne –

catalogue, Julie Morel

Julie Morel, éditions catalogue et CD audio

Julie Morel, édition audio du projet partition

Rheum Nobile – Recherches pour sérigraphie

En cours d’écriture du texte qui sera sérigraphié sur papier peint pour l’installation à la Fonderie de l’image.
Ce texte se construit sur une phrase tirée du livre « La part maudite » (en majuscule) et à pour système :
– l’ajournement des mots utilisés,
– la description de la narration en train de s’écrire,
– la référence au réseau tenant à la fois à de la description et d’un embryon de narration.
Sa lecture, en résonance avec le dispositif lumineux mis en place pour activer l’encre phosphorescente, dure environ 1mn.

« LE PRINCIPE ou le commencement de ce récit ne se fait pas attendre, peut-être MÊME avait-il déjà débuté :
les mots, DE LA MATIÈRE VIVANTE malléable pour qui VEUT QUE LES calculs prennent forme, s’échappaient, hémophiles, de l’immense base de données, en une visualisation dynamique proche de celle que l’on utiliserait pour des expérimentations ou OPÉRATIONS CHIMIQUES complexes – tout venait et tout passait, tous les moments DE LA VIE filaient et défilaient à grande vitesse, sans qu’on en puisse concevoir l’importance – ceux QUI avaient peine à saisir ONT DEMANDÉ à ralentir le flux, se doutant bien que le texte serait ajourné, remis à plus tard, congédié, mais réapparaîtrait irrémédiablement étendu, augmenté, commenté, toujours plus long et sa lecture toujours plus difficile : UNE trop grande DÉPENSE D’ÉNERGIE, des efforts à fournir trop importants, et si l’ajout de règles visaient la garantie pour les utilisateurs les plus lents qu’ils SOIENT BÉNÉFICIAIRES d’un temps en plus, que leur relecture devienne CRÉATRICE d’un nouveau sens, elles conduisaient la narration à de nouvelles parenthèses, de nouvelles digressions, de nouveaux EXCÉDENTS. »

> Light my Fire

Installation aux instants Chavirés : Références et recherches.
L’installation à la fonderie se fera en avril 2012, et commencera le samedi dans le cadre des puces typographiques.

> Un cube en contreplaqué construit pour l’occasion, d’environ 3m x 3m de côté. On y pénètre par un côté et il y fait entièrement noir. Une lumière intermittente (toutes les 1mn environ) nous donne accès au texte sérigraphié à l’encre phosphorescente sur les murs. Ce texte est un ajournement d’une phrase tirée de « La part maudite » de G. Batailles.
J’entends par ajournement, un ajout de mots à l’intérieur de la phrase originale, qui la remet à plus tard (postpone en anglais serait un terme qui définirait assez bien l’intention à l’œuvre).
Bien sur la phrase de départ est transformée et elle persiste dans la nouvelle interprétation, mais elle la repousse dans le temps de la lecture, d’où ce terme d' »ajournement ».
La phrase choisie, c’est celle-ci:
« Le principe même de la matière vivante veut que les opérations chimiques de la vie, qui ont demandé une dépense d’énergie, soient bénéficiaires, créatrices d’excédents ».


> Je relis le texte « un romancier français » de Russel Fergusson, qui parle très justement du travail de Rodney Graham dans le catalogue monographique publié lors de son exposition à la Whitechapel.. C’est un livre vers lequel je reviens régulièrement, tant par les travaux de Graham que par les écrits qui lui sont consacrés.

> Je ne peux pas ne pas citer « comment j’ai écrit certain de mes livres« .

> Cette proposition me rappelle une pièce de Douglas Gordon « 30 seconds text ».

30 seconds text présente un dispositif qui nous donne à réfléchir sur une expérience macabre et subjective du temps, de la durée :
dans une pièce noire, on trouve une simple ampoule qui s’allume et s’éteint par intermittence, toutes les 30 secondes. Cette ampoule est placée devant un texte imprimé à même le mur, de façon à en faciliter la lecture. 30 secondes est approximativement le temps de lecture de ce texte qui relate une expérience scientifique menée au début du 20 siècle par un scientifique français. L’expérience est une tentative de communication avec un criminel dont la tête vient d’être coupée par la guillotine. Pendant environ 30 secondes le scientifique appel le mort par son nom. Les yeux du mort émettent un mouvement à l’appel de son nom, avant de s’éteindre pour de bon.

Pour l’installation « Light my Fire » à la fonderie de l’image (qui risque fort de prendre un autre nom d’ici avril – je déteste la musique des Doors et ai pris ce titre pour rire), je m’éloigne de la plante qui m’a lancé sur cette recherche.
Je ne sais pas si je dois chercher un lien entre celle-ci et l’installation. Pour le moment, je me concentre plutôt sur la phrase de départ, c’est peut être elle qui me donnera une piste pour le titre, ou alors l’idée d’ajourner justement….
Je rappelle néanmoins quelques propriétés du Rheum nobile, que j’irai chasser en Mai au Népal avec l’aide de Catherine Lenoble :

Rappel du Rheum Nobile:

– Distribution :

Asie himalayenne (nord de l’Inde, Pakistan, Afghanistan, nord de la Birmanie, Bhoutan, Nepal, Chine : sud Xizang). Pelouses, rocailles, entre 4000 et 4800 m. Floraison : Mai-Juin.

– Description :

Vivace (haut : 120 cm). Feuilles ovales à orbiculaires (long : 20-30 cm), subcoriaces, à la base subcordée, aux marges entières, à l’apex aigu, au pétiole glabrescent (long : 5-15 cm), à l’ochréa membraneuse. Fleurs aux pétales elliptiques, vert jaunâtre (long : 2 mm), groupées en panicule terminal.

Fruits ovoides (long : 6-7 mm).

Etapes : 199

Julie Morel, voir l’article dans le magazine Étapes.

Le nouveau Étapes : est sorti, et j’ai le plaisir d’y figurer, pour répondre à une interview de Caroline Bouige. Ce numéro est consacré à la lumière, partagé en 3 parties :
– Le fond & la forme
– L’écran
– Le mapping
« De la fonction éclairante au médium de communication, l’utilisation de la lumière s’élargit au vingtième siècle grâce à la diversification des techniques. Les studios et les créateurs proposent aujourd’hui une grande variété d’approche du médium ».

Avec : Superbien, Trafik, Julie Morel, LAb [au] , 1024 Archi, UVA, GRL, AntiVJ, Creators Project, Yann Kersale.



Auto-archivage immédiat / Séminaire à l’EESAB, les 7-8-9 décembre 2011

Le séminaire de la ligne de recherche « De l’auto-archivage immédiat comme œuvre » aura lieu les 7-8-9 décembre 2011, à l’EESAB, site Lorient.
L’entrée est libre, et les intervenants intéressants, venez nombreux!

« Notre société a une relation complexe à la mémoire et développe depuis l’après-guerre
une hypermnésie. Cette hypertrophie de la mémoire s’est encore accentuée depuis
l’apparition de l’ordinateur (bases de données fermées) et internet (bases de données
ouvertes et partagées) et la démocratisation des supports artificiels de mémoire.
Cette démocratisation, cet accès à un auto-archivage immédiat change le statut
même de l’archive et notre manière d’appréhender l’information, l’histoire, l’art.
Ce séminaire tentera de questionner l’auto-archivage immédiat, c’est-à-dire l’archive
dans sa capacité à se reconstituer en permanence et sur laquelle on peut interagir à
tout moment, devenant fluctuante, variable, instable ».

Au programme :

Mercredi 7 décembre
14h – 17h : Yann Sérandour / Jean-Noël Lafargue / Maurice Benayoun
Jeudi 8 décembre
9h – 12h : Christophe Bruno / Joëlle Bitton / David Guez
14h – 17h30 : Jérome Joy / Reynald Drouhin, Sylvie Ungauer / Dominique Moulon
18h : Performance de Damien Schultz
Vendredi 9 décembre
9h – 12h : Manuel Schmalstieg / Hasan Helahi / Lionel Broye
12h30 : Lecture performée de Gwenola Wagon
École européenne supérieure d’art de Bretagne – site de Lorient
1 avenue de Kergroise
56000 Lorient
02 97 35 31 70

La ligne de recherche « De l’auto-archivage immédiat comme œuvre »
Direction scientifique : Julie Morel
Équipe de recherche : Reynald Drouhin, Grégory Chatonsky, Dominique Moulon, Karine Lebrun, Sylvie Ungauer, Gwenola Wagon.