Archive annuelles: 2014

Hypothèse de l’impact géant – Exposition du 4 octobre au 29 novembre, au Carreau (Cergy)

La première exposition commisariée par le collectif Le sans titre (Cécile Azoulay, Cécile Babiole et moi-même) s’appelle Hypothèse de l’impact géant. Elle aura lieu au Carreau du 4 octobre au 29 novembre 2014.

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Vernissage le vendredi 3 octobre à 18h30,
performance musicale de Frédéric Nogray à 19h
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Avec : Yuri Ancarani, Cécile Beau, Emilie Benoist, Bureau d’études, Revital Cohen & Tuur Van Balen, Cléa Coudsi & Eric Herbin, Baptiste Debombourg, Nicolas Durand, Iris Heurtaux, Martin Howse, Jan Kempenaers, Atsunobu Kohira, Aleksandra Mir, Adelin Schweitzer, Ken & Julia Yonetani

L’Hypothèse de l’impact géant est le nom de l’une des théories émises par la communauté scientifique concernant l’origine de la lune : il y a plus de 4,5 milliards d’années, une collision entre la Terre en formation et un corps céleste de grande taille aurait éjecté la matière suffisante à la formation de notre Lune. L’exposition éponyme part de cette hypothèse et explore plus globalement ce qui est commun et compose ces deux astres : les minéraux.

L’exposition se place sous le signe d’une quête fantastique oscillant entre les différentes applications, connotations et implications de l’élément minéral.
Elle explore :
– Une quête scientifico-philosophique relative à nos origines ou à la trace de l’histoire dans ces minéraux,
– Une quête plus prosaïque de richesses matérielles (or, coltan, pétrole, terres rares) dont les enjeux sont aujourd’hui plus que jamais stratégiques et géopolitiques.

Les œuvres proposent ainsi des questionnements et points de vue qui abordent le minéral dans sa dimension géopolitique ou technologique (prospection, extraction, etc.), mais aussi sous un angle symbolique : mythologique, fantasmagorique, science-fictionnel…


Quelques images d’une partie des pièces présentées…

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Jan Kempenaers

 

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Clea Coudsi, Eric Herbin
 

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Cohen, Van Balen

 

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Baptiste Debombourg

 

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Martin Howse

 

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Julia + Ken Yonetani

 

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Aleksandra Mir.

 

 

Info :
Le Carreau, espace d’art visuel de Cergy
3-4 rue aux Herbes, 95000 Cergy

Du mardi au vendredi : 12h-19h / Samedi : 14h-19h (entrée libre et gratuite)

L’exposition se poursuit à Visages du Monde avec l’installation d’Adelin Schweitzer présentée le samedi 4 octobre à 18h30 l’occasion de la nuit blanche.
Installation visible du 5 octobre au 14 novembre 2014

10, place du Nautilus, 95000 Cergy
Mardi /Jeudi / Vendredi : 12h30-19h / Mercredi : 10h-19h / Samedi : 10h-18h / Dimanche : 10h-17h (entrée libre et gratuite)

A.F.K

Je me suis rendue mardi au Quartier centre d’art (Quimper) pour une rencontre de travail avec Keren Detton – commissaire et directrice du lieu – autour de l’exposition A.F.K. qui aura lieu dans la Project room en avril 2015.
L’exposition prend comme point de départ une pièce présentée en février à la galerie de Étables. Une proposition en cours, alors volontairement non résolue : une perruque noire, en vrais cheveux, simplement posée sur une table, face à une fenêtre et un dessin à l’encre : « Void » (vide).

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Je pars donc sur une nouvelle version de la pièce, plus travaillée formellement et qui va faire le lien avec une proposition explorant Silk road, site de marché noir en ligne, désormais fermé dans sa version d’origine.
Mes avancées sur ce projet sont lentes, notamment parce qu’il nécessite une grosse partie de recherche en ligne, sur TOR (qui reste un navigateur assez lent par rapport à la normal) et qu’il est assez peu clair de tracer la nouvelle localisation du site ou des ces sites de remplacement (project black flag, black market reloaded..), et qu’il faut être prudent et installer quelques outils de sécurité pour ne pas retrouver son disque dur plein de virus ou être victime de fishing. Je ne suis pas une spécialiste du Darknet et des failles de sécurité de mon ordinateur.
Il est également difficile de remonter dans l’historique des propositions de ventes sur Silk road, mon objectif étant de me concentrer sur deux choses :
– le marché noir d’œuvres d’art sur ce site (une toute petite partie de celui-ci, quelques centaines d’œuvres y ayant transité),
– savoir s’il existait aussi du trafic humain, ou des portes vers celui-ci.

 

Ci-joint pour référence, un article copier/coller du monde sur la fermeture du site en oct. 2013. Je garde l’article ici, avant que celui-ci ne passe dans les archives payantes. Je note aussi au passage que l’article n’a pas d’auteur, il est signé « Le Monde » (comme nombres d’articles du journal en ligne !).

 

Le principal site de commerce de produits illégaux du Net revient, plus d’un mois après sa disparition. Silk Road est un site web « caché » (uniquement accessible par le réseau anonyme TOR) qui s’est spécialisé dans la vente de produits illégaux, avant tout des stupéfiants.

Les transactions entre vendeurs et clients ne se faisaient qu’à l’aide de la monnaie « chiffrée » Bitcoin, qui échappe encore à toute régulation. La place de marché, qui se rémunère par commission sur les ventes, était le principal représentant de sa catégorie.

Sa fermeture par le FBI a été un choc pour les utilisateurs de TOR, un réseau considéré intraçable. Mercredi 6 novembre, « Silk Road 2.0 » a été mis en ligne, pour reprendre un flambeau très convoité. « Le FBI a mis deux ans pour faire ce qu’ils ont fait. […] Mais il n’a obtenu que quatre semaines de silence », affirme fièrement le nouveau responsable dans un message en tête du site.

Lire : Les conséquences de la fermeture de Silk Road

La nouvelle version est similaire à la précédente, mais serait reconstruite par un nouveau propriétaire, qui reprend le pseudonyme – Dread Pirate Roberts – de son prédécesseur. Notamment sur Twitter. Actuellement, la page d’accueil du site parodie le message de fermeture des autorités américaines.

En plus des sécurités de la première version, le nouveau Silk Road permet de signer les transactions avec une clé spécifique (PGP). Quelque 12 500 personnes se seraient inscrites, une journée après l’ouverture. Même si les anciens vendeurs sont toujours recherchés, le site a été rapidement repeuplé de nouvelles annonces.

LE PREMIER « PROPRIÉTAIRE » DEVANT LA JUSTICE

La réouverture intervient alors que Ross William Ulbricht, le propriétaire présumé de Silk Road première version, comparaissait pour la première fois devant une cour new-yorkaise. Il est notamment accusé de piratage informatique, de trafic de drogue et de blanchiment d’argent.

Le maître présumé de Silk Road, considéré comme un petit empire de la drogue, avait été arrêté le 1er octobre et le site fermé dans la foulée. Malgré ses nombreuses précautions, le responsable du site aurait été trahi par une adresse mail utilisée sur un forum plusieurs années auparavant.

Lors de son arrestation, 26 000 bitcoin ont été saisis, soit 0,2 % du total en circulation à l’époque. Une prise record dont la valeur fluctue au gré de la valorisation de cette monnaie alternative, qui atteint désormais plus de 300 dollars.

Le réseau caché TOR est désormais particulièrement ciblé par la police américaine. En août, le FBI avait fermé Freedom Hosting, considéré comme le premier hébergeur mondial de sites pédophiles, également réservé aux utilisateurs de TOR. La grande majorité des sites accessibles via le réseau anonyme y étaient hébergés. Son propriétaire a été arrêté et des pièges ont été posés sur les sites pour démasquer les internautes.

La concurrence de Silk Road, auparavant déjà vive, s’était intensifiée à sa disparition. En octobre, d’autres concurrents ont tenté de tirer profit de cette énorme manne financière, qu’il suffisait de capter. Même si tout n’est pas si simple.

Un rival, Atlantis, a brutalement fermé, emportant avec lui l’argent déposé sur les comptes des utilisateurs. Un second, Black Market Reloaded, a dû lui aussi fermer temporairement ses portes à la mi-octobre, suite à une « faille de sécurité ». Un administrateur avait laissé échapper le code du site sur Internet. L’administrateur d’un autre service, Project Black Flag a quant à lui « paniqué », fermé son site et volé l’argent en stock.

Courant octobre, au moins six sites tentaient de combler le vide laissé par l’e-commerçant de produits illégaux, rapportait le blog spécialisé Atlantis Blog.

Collectif Le sans titre

Depuis 6 mois, Cécile Babiole, Cécile Azoulay et moi-même nous sommes constituées en collectif pour travailler des projets curatoriaux, choses que nous faisions auparavant en solitaire.
Notre premier projet « Hypothèse de l’impact géant », exposition qui explore la relation entre la Terre, la lune et leurs ressources, verra bientôt le jour au Carreau, l’espace des arts visuels situés juste à côté de l’école de Cergy-Pontoise. Rendez-vous le 4 octobre pour le vernissage.
En attendant, notre site est enfin en ligne, à cette adresse : lesanstitre.net

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En cours

Je travaille actuellement sur mon nouveau site internet, mise en ligne courant octobre. J’y privilégie les images, et classe mes projets selon 3 entrées :
– Projets (un listing de tous les projets)
– Expositions (dans l’espace d’exposition, dans l’espace d’internet)
– travaux périphériques (commissariat, art graphique, projets collectifs)

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Neutral Grounds

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Quelques nouvelles du projet « Neutral Ground », que je réaliserai en novembre-décembre à la Nouvelle Orléans.
> Une première image, que j’ai du soumettre à Park & Parkways, l’équivalent de nos services « espaces verts », qui m’ont contacté pour connaitre le contenu du projet. Difficile de « vendre » un projet in situ, de proposer un cadre de travail en fonction du contexte plutôt qu’une pièce déjà conçue à l’avance (j’avais rencontré ce même problème à l’Institut Français pour ma présentation pour les Résidences américaines).
Pourtant, il parait essentiel de passer ce premier mois à la Nouvelle Orléans à comprendre les neutral grounds, plutôt que d’arriver avec une attitude que je qualifierai de colonialisme artistique. Important de connaitre en profondeur les neutral grounds, leur histoire, le contexte contemporain de la ville et de ces espaces, les relations qu’ils « fabriquent » et permettent entre les habitants, utilisateurs (ce sont des lieux publics occupés quotidiennement) et toute la sociologie liée à ceux-ci.
J’ai donc soumis cette photo (texte non contractuel mais je n’ai pas pu m’empêcher de faire clin d’œil à cet idée de « programme ») pour donner un exemple, spécifiant bien que le projet pouvait changer complétement en fonction des recherches et rencontres sur place.

 

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> Proposées par le Louisiana State Museum, les 3  possibilités d’implantations de ma proposition sont :
– la zone médiane juste en face du Old US Mint (où se trouve le musée et le collection) sur Esplanade Ave,

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– à quelques minutes de là, celle sur Elysian Fields Ave (les champs Élysées nouvelle-orléannais), au croisement de Decatur, juste à côté du Mississippi.

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– et enfin, un peu excentré (mid-town), mais plus chic : un terrain neutre au croisement de Marconi Dr. près de City Park.

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> Quelques images enfin, glanées ses derniers jours sur des projets utilisant de la pelouse ou plantes couvrantes comme matériau.

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Chilpéric de Boiscuillé, Raphaëlle Chéré & Pauline Szwed

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Luc Boniface

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Jean-Philipe Poirée (image avant et après)

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Daniela Borroni, Susanna Rossellini & Simona Venturelli

 

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Des objets fragiles à déplacer

 

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Un panda pour débutante

 

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Une belle ballade d’anniversaire

 

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Des fenêtres envolées

 

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Un ballon abimé

 

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Une tarte au citron cruelle

 

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Amoxicilline, analgésiques, anti-inflammatoires, vasculoprotecteurs, et lait de chienne.

 

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Chouette-souvenir.

 

Demain, home again.

Terrain neutre / Neutral Ground

En décembre dernier, je me suis rendue à la Nouvelle Orléans. Je n’y étais pas retournée depuis au moins 20 ans, période où j’allais visiter de la famille pour les vacances d’été. Ça a été pour le moins étrange de me promener dans cette ville, qui paradoxalement me parait à la fois inchangée et transfigurée – une ville où la vie est à la fois dure et douce.
Ce voyage (que j’ai effectué dans le cadre de mon projet de recherche Géographies variables, avec Catherine Rannou, Mélanie Bouteloup, et trois de mes étudiants) a été une première étape pour poser les jalons d’un projet.
Je m’y rendrai donc à nouveau cet automne pour travailler sur cette proposition intitulée Neutral Ground.

 

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Évolution de la zone urbaine de la New Orleans, de sa création jusqu’à nos jours (avec en noir, le vieux carré)
(Image : Unfathomable City: A New Orleans Atlas, Édité par/Edited by Rebecca Solnit & Rebecca Snedeker).

 

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Le neutral ground sur Esplanade Ave. en 1900, avec les lignes de tram /Le neutral ground sur Esplanade Ave. aujourd’hui.

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Le Neutral ground sur Esplanade Ave. aujourd’hui, dans le centre historique.

 

Cette proposition prend comme point de départ un contexte spécifique à Nouvelle Orléans : les neutral grounds. Ces terre-pleins centraux plus ou moins larges, qui séparent les rues en deux dans le sens de la longueur, signalent les limites des différents quartiers juxtaposés.
Ils sont des traces de la colonisation et de l’histoire de la ville : Dans les années 1800, ce sont pour la plupart des canaux de communications fluviales. Ainsi Canal Street – neutral ground encore visible et le plus large de la Nouvelle Orléans – avait été pensé pour accueillir un canal qui ne fût jamais construit mais en a gardé le nom…
Au fur et à mesure de l’urbanisation, ils sont peu à peu remblayés. Les neutral grounds deviennent alors des zones arborées qui séparent les quartiers créoles (Français, Espagnols, gens de couleurs libres) des quartiers Américains après la guerre de sécession, ou les quartiers noirs et blancs.
Ce sont des lieux vivants où au fil du temps se superposent plusieurs fonctions liées à la rencontre et à la circulation.
Ce sont tout à la fois : des lieux de promenade aux abords des quartiers, lieux d’affaires entre les habitants des différents quartiers, lieux d’affrontements effectifs (Duels à Duelling Oaks, durant la période créole) où symboliques (rencontres des Indiens de Mardi-gras depuis la fin des années 1960), et lieu de rendez-vous socioculturels dans les quartier noirs où les gens se réunissent pour jouer de la musique et célébrer les Second Lines, ou enfin des terrains de jeux.
Ce sont tout aussi bien des espaces de circulation : des trains dans un premier temps, puis des tramways. Laissées pour compte après la guerre, ces lignes de tramways connaissent, post-Katrina, un renouveau et il s’opère donc une redéfinition de ces espaces (processus de gentrification et de capitalisation du patrimoine culturelle de la ville).
Enfin, on les utilise ponctuellement comme parking lors des crues et inondations, du fait qu’ils soient surélevés par rapport à la route.
De nos jours, ils sont investis par les communautés qui les bordent et se les partagent. Parfois, ils peuvent aussi constituer une zone de tampon laissée à l’abandon, soit par manque de moyens financiers soit par volonté politique (construction sur le neutral ground de Claiborne, aux abords de Tremé, de l’autoroute Interstate 10 dans les années soixantes).

 

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Vues du neutral ground bordant le quartier de Tremé-Lafitte Neighborhood (Claiborne Ave) en 1900s, et après sa destruction et le passage de l’autoroute I-10 interstate.

 

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Image avant/après du neutral ground de Claiborne Ave., à Tremé-Lafitte.
(Images Wikipedia Creative Commons and Alexey Sergeev).

 

Déroulement du projet

Loin d’être neutres, les neutral grounds restent des marqueurs culturels, sociaux, et raciaux.
Lorsqu’en décembre 2013 je me suis rendue à la Nouvelle Orléans, j’ai constaté que ces neutral grounds étaient de espaces concrets capables d’héberger l’imaginaire. Ils se sont imposés à moi comme des emplacements où l’opposition classique entre espace privé/espace public, espace social/espace de travail pouvait cohabiter, voir se trouvait remise en questions.
Ils sont le moyen d’interroger visuellement les espaces de la ville et les relations de voisinages qui s’y développent, notamment dans le contexte de mutations urbaines post-Katrina. Ce sont des lieux où : « tous les autres emplacements réels que l’on peut trouver à l’intérieur de la culture sont à la fois représentés, contestés et inversés ».

Le projet Neutral Ground propose dans un premier temps une recherche de fond, à la fois sur le terrain et à partir de fonds d’archives historiques (Louisiana Historical Center – Mint, Historic New Orleans Collection). Cette enquête, que je mènerai en octobre-novembre-décembre,  permettra le développement d’une pensée écrite et visuelle, une documentation dont les modalités de restitution sont à inventer et à articuler sur place.
Dans un deuxième temps, cette recherche s’accomplira dans une proposition artistique qui se concentrera sur certains neutral grounds identifiés lors de la première étape. Cette production a pour objectif la réappropriation de ces espaces par les habitants des quartiers concernés, cela par le biais du jardinage. Le jardinage y est envisagé comme un travail plastique, donc comme une vision esthétique et politique de l’espace public.
Un jardin étant toujours une vision du monde, il présente donc un point de vue que le créateur porte sur son environnement. On peut citer pour exemple les différences dans toutes une typologie de formes de jardins : français ou anglais pour parler des plus évidentes, mais aussi différents types/fonctions de cultures (jardin d’agrément ou d’herboristerie par exemple).
L’espace à investir et les modalités de représentation seront la base d’un dialogue qui s’établira entre les habitants et l’artiste, un objet de rencontre concret pour que chacun puisse prendre pleinement conscience des spécificités de ce médium de création qui cristallise un grand nombre d’enjeux sous une forme ouverte, matérielle et vivante.
Enfin, une restitution sera organisée dans l’espace d’exposition du partenaire, soit la Historic New Orleans Collection, soit le Louisiana Historical Center. Elle ne sera pas forcément de type documentaire mais sera une proposition plastique en tant que telle (sa forme reste ouverte et se fixera sur place).
En partenariat avec le Louisiana State Museum, une proposition est mise en place à long terme, pour le tricentenaire de la ville en 2018.

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Les partenaires de ce projet : la collection historique de la Nouvelle Orléans, une fondation privée incroyable dédiée à l’histoire de la ville, et Louisiana State Museum (Le Mint) qui abrite notamment une collection impressionnante liée à l’histoire de jazz.

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Spéculation

Inside the White Cube, Briant O Doherty
Chapître 3 – « Le contexte comme contenu »

« En exhibant l’effet du contexte de l’art sur l’art, l’effet du contenant sur le contenu, Duchamp mit au jour une aire artistique jusqu’alors inexplorée. Cette invention du contexte est à l’origine d’une succession de gestes qui vont « exploiter » l’idée de la galerie comme entité homogène offerte aux manipulations, à la mise esthétique. De ce moment date la perdition d’énergie qui affecte l’art au profit de son environnement. Avec le temps, la mythification de la galerie a crû en proportion inverse à la littéralisation de l’art.
Comme tout geste heureux, les 1200 sacs de charbon de Duchamp ont acquis après coup statut d’évidence. Les gestes sont l’une des catégories de l’invention. On ne peut les accomplir qu’une seule fois, à moins que tout le monde s’accorde pour les oublier. Le meilleur moyen d’oublier quelque chose est de l’assumer ; ce que nous assumons disparaît de notre horizon. Pour ce type d’invention qu’est le geste, c’est le brevet, beaucoup plus que le contenu formel (s’il y en a un) qui importe vraiment. Je pose que le contenu formel d’un geste est son à-propos, son économie, sa grâce. D’une pichenette, il expédie le taureau – l’histoire. Mais il a besoin de ce taureau, parce qu’il opère brutalement un complet changement de perspective sur tout un ensemble de partis pris et d’idées. C’est en cela qu’il est didactique, comme l’a dit Barbara Rose, quoique le mot exagère un peu la volonté d’enseigner. S’il enseigne en effet, c’est par l’ironie et l’épigramme, l’astuce et la provocation. Un geste vous ouvre les yeux. Son effet dépend du contexte d’idées qu’il transforme et met en relation. Il n’est peut-être pas art mais presque-art et il vit d’une presque-vie qui tourne autour et à propose de l’art. S’il rate, il demeurera une curiosité dans une bouteille de formol, si même on s’en souvient. S’il réussit, il entrera dans l’histoire et s’y dissoudra. Il ressuscitera l’orque le contexte, imitant celui dans lequel il est apparu, lui donnera une nouvelle « pertinence ». Etrange histoire que celle du geste, qui toujours s’évanouit et reprend vie.
Le geste de la transposition du sol au plafond peut être réédité désormais comme « projet ». Un geste peut être un « jeune » projet ; mais, plus démonstratif et épigrammatique, il spécule à risque sur l’avenir. Il attire l’attention sur des partis pris invérifiés, des contenus négligés, des failles de la logique historique. Les projets (de l’art à cours terme, destiné à des lieux et à des occasions spécifiques) posent le problème de la survie de l’éphémère – s’il survit. Archives et photographies défient l’imaginaire historique en lui présentant un art qui est déjà mort. Le processus historique est à la fois enrayé et facilité par le retrait de l’original, dont le caractère fictif augmente à mesure que sa vie posthume se fait de plus en plus concrète. Ce qu’on préserve et ce à quoi on permet de disparaître, voila ce qui produit l’idée de l’histoire. Cette forme de mémoire commune propre à chaque époque. Les projets non documentés peuvent survivre à titre de rumeur, et s’incorporer à la figure de celui qui est à leur origine, à charge pour lui d’élaborer un mythe convaincant. »
P99.

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Conversation

Cette semaine, je corresponds avec Karine Lebrun par le biais de son site internet, pour prolonger la recherche A.F.K. dont l’exposition éponyme à lieu à Bordeaux.
La conversation commence par ce billet :

Conversation avec Julie Morel du 14 au 30 avril 2014
Par karine, dimanche 13 avril 2014 à 14:41 :: Julie Morel

Ton exposition A.F.K (Away From Keyboard) a lieu en ce moment à Bordeaux.
Tu m’as dit qu’elle n’était qu’une étape. Qu’elle faisait partie d’un ensemble que tu projetais de mettre en œuvre en vue de matérialiser tes recherches en cours.
Même si une exposition peut se déployer en plusieurs temps, s’inscrivant dans une série, elle présente généralement des œuvres achevées. Ton projet semble différent et ouvrir l’espace d’exposition au processus de recherche dans sa dimension la plus incomplète, sans pour autant négliger la mise en forme de tes idées que tu livres ainsi au public de la galerie, mais en risquant aussi de décevoir un certain nombre de visiteurs.
La forme de ton projet résulte de l’observation qu’un objet, artistique ou non, fluctuant et/ou même flottant entre ces deux statuts, génère aujourd’hui plusieurs versions produites, diffusées et réceptionnées par toute la panoplie de l’appareillage numérique. Ce que tu expliques ici : http://incident.net/users/julie/wordpress/?p=6466
Je t’invite donc à partager et à poursuivre cette réflexion le temps de ton exposition.

A.F.K. – Photos de l’exposition

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1er espace, grand espace sur la rue :

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2e espace, petite salle côté cour :

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Entrée :

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Cette exposition n’aurait pas été possible sans l’aide et les discussions avec :
Camille De Singly & Elodie Goux, Étienne Cliquet, Keren Detton, Cécile Babiole, Karine Lebrun, Manuel Schmalstieg & Greyscale Press, Rodolphe Delcros, Ann Guillaume, Brigitte Mahon. Ainsi que : David Bideau pour sa version sonore de « Rio », Anne Gendrin pour son aide sur la traduction de « L’image-objet Post-Internet », ainsi que Léna Peyrard et Elsa Prudent – assistantes sur l’exposition.
Merci !

Entretien

Je viens de finir un entretien avec une super équipe composée de Camille de Singly, Rodolphe Delcros, Elodie Goux, Léna Peyrard et Elsa Prudent. Cet entretien prend la forme d’un dépliant de 30x30cm, et porte sur l’exposition qui ouvrira ces portes jeudi 3 avril à 19h à la Galerie 1, rue des Étables, Bordeaux. Il m’a permis de mettre des mots plus précis sur cette exposition et ces recherches en devenir, et de faire la synthèse sur ce qui a été déjà réalisé.
See you there, pour la distribution du dépliant et pour le vernissage !

Un envoi papier sera effectué pour cet entretien. Envoyez-moi un mail pour nous donnez votre adresse si vous voulez en recevoir un !

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A.F.K., suite

En vrac, pour mémoire, quelques photos de la semaine à Bordeaux. La galerie, repérage des lieux, quelques essais, et la conférence, et puis quelques croquis/images de ce qui vient. L’exposition s’assume de plus en plus comme une étape de travail. Un moment d’une réflexion en cours, matérialisé dans l’espace de la galerie.
Elle s’envisage plus comme le fait de révéler des « relations d’absences » que la mise en relation de différents éléments entre eux.
Les objets (ex)posés fonctionneront comme le fantôme dans le monde des archives*. Ils représentent les œuvres absentes, déplacées, et leurs formes traduisent littéralement le caractère de ces relations d’absences : obscures, en surimpression. Ils convoquent (à l’inverse d’une citation qui renverrait vers l’original), invitent à entrevoir les multiples versions, manquantes, auxquels ils sont déjà liés ou seront liés.
Des copies de ces fantômes, stockées dans le petit espace contigu à l’espace principal, seront destinées à être emportées, déplacées, à nouveau, hors de l’espace d’exposition.
La somme de toutes ces copies mises à disposition pourraient constituer une pièce en tant que telle. Une pièce inachevée, à prolonger devant son ordinateur, par des recherches sur Internet.

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* Fantôme
Dans le monde des Archives, on a coutume de laisser un morceau de papier à la place du document emprunté et monté en salle de lecture. Cette représentation de l’objet déplacé s’appelle un « fantôme ».

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Béton salon, atelier dans le cadre de Géographies variables

Quelques photos de l’atelier que j’ai fait avec mes étudiants de l’EESAB au Béton salon, encadrés par Nicolas Floc’h et moi-même, dans le cadre de le cadre du partenariat Géographies variables et le béton salon. L’atelier s’est déroulé sur quatre jours avec une restitution sous la forme d’une série de performances, lors d’une des sessions du samedi, dans l’exposition les Sécession Sessions d’Éric Beaudelaire, avec comme point de départ la pratique de Gela Patashuri (Without wall), sur une proposition de Mélanie Mermod.

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22 février 2014
The Secession Sessions est WithOut Wall
Une intervention du collectif WithOut Wall (Géorgie)

La création d’un État souverain est-il encore le seul moyen aujourd’hui de permettre à un peuple son émancipation et son autonomie ? De protéger et nourrir ses spécificités culturelles et ses traditions ? Comment définir une forme culturelle spécifique, et de surcroît, dans l’une des régions les plus riches ethniquement, telle que le Caucase ?

« The Secession Sessions » accueillent une autre institution tout aussi concrète qu’immatérielle de la région du Caucase à Bétonsalon : le WithOut Wall, basé à Tbilissi. Ce groupement ouvert et sans structure réelle, qui squatte un terrain dans la banlieue de la capitale géorgienne, développe des activités artistiques alternatives, à l’écart de l’idée de célébration d’une identité culturelle et des politiques artistiques soutenues par l’État Géorgien.

Fondé en 2011 par l’artiste Gela Patashuri, le projet WithOut Wall regroupe les artistes Giorgi Kobiashvili, Eduard Oganov, Mari Tipukhian, Sergo Zhornitski, Tamar Mdivani. WithOut Wall est un projet sans structure et sans toit dont les activités ont principalement lieu sur un terrain acquis en 2006 par le commissaire d’exposition Daniel Baumann pour y construire le Tbilisi Center for Contemporary Art (TCCA). Face aux manques d’opportunités offertes aux jeunes artistes à Tbilissi, WithOut Wall s’est constitué afin d’offrir un espace ouvert de recherche, de production, de développement de processus créatifs expérimentaux et de discussions. Quand il n’y a pas d’autre alternative, vous faites juste ce que vous voulez.

Cette session a été organisée sous la forme d’un workshop avec des étudiants de l’EESA Bretagne, en collaboration avec le programme de recherche « Géographies variables » dirigée par Julie Morel. Ce programme est soutenu par le Conseil scientifique de la recherche en art (MC).

Géographies variables est un programme de recherche de l’EESA Bretagne, d’une durée de trois ans qui réunit une vingtaine de praticiens (artistes, étudiants, critiques, commissaires, philosophes) et se structure autour d’un réseau de résidences d’artistes, voyages d’études, ateliers et conférences, présentations, démos….
 Géographies variables s’attache à questionner l’art en lien avec divers territoires physiques ou symboliques, quand le processus de travail est poussé dans ses retranchements : lors de conditions limites, ou dans des territoires ou environnements extrêmes.
Quelles formes et esthétiques volontairement non spectaculaires émergent dans des conditions extrêmes, comment y inscrit-on une pratique artistique, comment rendre compte de et en rendre compte dans ces conditions ?
Qu‘est-ce qu’un territoire extrême pour un artiste ? Quelles sont les possibilités de développer une pratique artistique dans des milieux où l’art semble absent, difficilement praticable, que ce soit pour des raisons d’implantations géographiques (art en zone climatique limite par exemple), des raisons sociales (conflits, crise économiques) ou culturelles (émergence d’une identité en marge) ?
Le programme se veut transdisciplinaire, une circulation à travers différents champs, matérialisée par un ensemble d’œuvres, de dispositifs et d’expositions qui jalonnent les étapes de la recherche. Une publication est prévue en 2015.

Direction Scientifique : Julie Morel. 
Praticiens impliqués : Catherine Rannou, collectif Hehe, Florent Perrier, Julie Morel, Annick Bureaud, Laurent Tixador, Marie Bette, Mélanie Bouteloup, Nicolas Floc’h, Nicolas Momein, Valentin Ferré & Capucine Vever. Programme soutenu par le Conseil scientifique de la recherche en art (MC).

Versions

Du latin versio, de vertō (faire tourner, devenir), qui signifie « changer ».
(wikipedia) Traduction d’une langue étrangère vers la langue maternelle du traducteur (par opposition à thème).
(l’internaute) Traduction d’un texte dans une autre langue.
(Larousse) Chacun des divers aspects que peut prendre un même texte selon des traditions ou dans des langues différentes.
(cnrtl) Étymol. et Hist. A. 1. a) 1548 « action de traduire un texte; résultat de cette action » (Th. Sebillet, Art poét. fr., éd. F. Gaiffe, p. 187: la version ou Traduction); b) 1610 (Deimier, Abr. Philos. de Gassendi, p. 256: la susdicte version des Pseaumes); c) 1625 la version des Septante (Naudé, Apologie pour les grands hommes, p. 108); d) 1629 (Peiresc, Lettres, t. 2, p. 121: une version en dialecte samaritain), aux xvieet xviies. s’emploie surtout à propos des textes sacrés, cf. Ac. 1718: ,,son plus grand usage est en parlant des anciennes traductions de l’Escriture« ; 2. a) 1718 (Ac.: Version, Se dit aussi Des traductions que les Écoliers font dans les Colleges); b) 1798 (Ac.: Version, se dit aussi des traductions que les Écoliers font dans les Colléges d’une Langue ancienne en leur propre Langue), v. thème; 3. 1831 « interprétation d’un fait » (Balzac, J.-C. en Flandre, p. 298); 4. a) 1878 « chacun des états d’un texte qui a subi des modifications » (Romania t. 1, p. 60); b) 1889 mus. (Bénédictins, Paléogr. mus., t. 2, p. 4); c) 1923 version cinégraphique « adaptation d’un roman ou d’une pièce au cinéma » (Livre d’Or de la Cinémat. en Fr. ds Giraud); d) 1925 (d’un film) sa version originale (C.M., p. 213, ibid.). B. 1824 « changement de position du fœtus » (Nysten). Empr. au lat. médiév.versio « changement, transformation » (ca 1270), « action de tourner, de retourner » (1446), « traduction » (ca 1580), v. Latham, dér. de versum supin de vertere « tourner, faire tourner, se tourner, changer, transformer » et « faire passer d’une langue dans une autre, traduire ».

Synonymes
Compte, histoire, interprétation, récit, traduction, variante

Version d’un logiciel (wikipédia)

Une version d’un logiciel correspond à un état donné de l’évolution d’un produit logiciel utilisant le versionnage. Selon le Grand dictionnaire terminologique, le versionnage (équivalent francophone de l’anglais versioning) est le mécanisme qui consiste à conserver la version d’une entité logicielle quelconque, de façon à pouvoir la retrouver facilement, même après l’apparition et la mise en place de versions plus récentes.

Une version de logiciel est le plus souvent associée à une numérotation qui permet de l’identifier, voire dans certains cas à un nom symbolique.
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Q: La différence entre une version et un reprise/remake ?
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…. « Synthetic Performances » sur Second Life, de Eva et Franco Mattes / un reenactment de « Shoot », de Chris Burden.

Magik mug

Reçue aujourd’hui, la magik mug commandée sur internet.
Une magik mug est une tasse customisée que l’on trouve sur les sites d’impression photo. La tasse, c’est un pur produit de la culture internet, c’est l’objet présent sur chaque table, à côté de l’ordinateur connecté.
Lamagik mug, de couleur noir au départ, révèle son image lorsqu’on verse un liquide chaud dedans.
C’est un test pour le projet AFK et je me demande si cela ne serait pas possiblement le seul objet présent dans l’espace d’exposition.. (comme test, j’ai fais faire une tasse avec un écran TV de Chris Burden).
On devine un peu l’image imprimé en monochrome noir sur le fond noir, et si au premier coup d’œil cela me dérangeait, après réflexion je me dis que ce pourrait être une contrainte de travail intéressante.
Le résultat lorsque l’on met un liquide est par contre vraiment impressionnant.

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Remake

Un superbe mémoire de DNSEP par Raphaële Bezin, étudiante à Cergy.

Extrait de la vidéo… Mon passage préféré car il tombe aux moments même de certains questionnements abordés par l’exposition « A.F.K », à venir – à savoir est-ce qu’une pratique post-internet art est un simple prolongement, une simple accélération du détournement/filiation ou bien est-ce que ce paradigme est complétement remis en cause par le flux et le caractère discret du numérique – ce que je crois finalement

« Claude Levi-Strauss : les artistes bricoleurs se retrouvent face à ensemble d’objets hétéroclites qu’ils interrogent pour comprendre et imaginer ce que chacun d’eux pourrait signifier. Chaque élément représente un ensemble de relations à la fois concrètes et virtuelles, ce sont des opérateurs. La particularité de ces objets est qu’ils ont déjà servis et les possibilités de leur ré-emploi demeurent toujours limitées par ce qui subsiste en eux de cette histoire passée. Leur usage originel fait d’eux des éléments pré-contraints et ouvrés ; ils ont donc été travaillés par un précédent auteur qui leur a attribué une signification précise et soumise à l’œuvre qu’il réalisait. Le second auteur s’affairera ainsi à démonter cet ensemble de signification afin d’en créer de nouvelles.
Yann Beauvais et J-M Bouhour confirment, les deux lois fondamentales de détournement sont :
– la perte d’importance allant jusqu’à la déperdition du sens premier de chaque élément autonome détourné,
et en même temps
– l’organisation d’un nouvel ensemble signifiant qui confère à chaque élément sa nouvelle portée. »

 

Notes pour A.F.K.

Away
From
Keyboard
Notes pour l’ensemble du projet en devenir, et pour l’exposition A.F.K.

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Prologue.

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En 1973, Chris Burden réalise une performance : Throught the Night Soflty, où il rampe sur une route scintillante d’éclats de verre. Cette performance est filmée et devient une œuvre vidéo. Dans la soirée du 5 novembre 1973, la vidéo est diffusée lors d’une pause publicitaire sur Channel 9 – Los Angeles, sous le nom TV Ad. Elle devient une œuvre-dispositif. Le 24 nov. 2008, « gaston2511 », utilisateur de YouTube, met en ligne une version de TV Ad commentée par Chris Burden, copie appartenant à la collection du Centre Pompidou. Le 5 novembre 2013, une carte postale, commande des éditions Ultra pour leur collection « Save the Date », contribue à la circulation de la première image de cette vidéo présente sur YouTube.

J’ai produit cette carte postale. Je suis née dans la soirée du 5 novembre 1973, quelques minutes après la diffusion de TV Ad.

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Dans le monde des Archives, on a coutume de laisser un morceau de papier à la place du document emprunté et monté en salle de lecture. Cette représentation de l’objet déplacé s’appelle un « fantôme ».

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AFK, acronyme de « Away From Keyboard » – loin du clavier – renvoie aux pratiques des jeux en ligne, et à ces moments où les participants s’éloignent de l’interface qui les relie aux autres. C’est un message textuel que l’on laisse pour signifier son absence.

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J’ai choisi le terme AFK comme titre pour une recherche en cours, à explorer plastiquement dans une série de propositions et d’expositions.
Dans ce contexte, AFK s’utilise et se comprend comme une analogie : entre ce message textuel que l’on laisse pour signifier son absence aux internautes et une condition des objets* produits dans le cadre d’une pratique artistique après l’émergence d’internet** .
Cette condition découle du fait qu’aujourd’hui un objet est dans la majorité des cas produit et réceptionné par le biais d’un ordinateur, et en conséquence appelé à générer plusieurs versions, cela dans différents supports et médiums.
Ces nouvelles versions, qui prolongent et/où remplacent l’objet précédent, sont créées par l’artiste lui-même, ou par d’autres artistes ; elles sont parfois reprises/transformées/diffusées par des non-artistes et plus tard à nouveau utilisées par des artistes, comme dans le cas des différentes versions et reprises de Through the Night Soflty.
En résumé : si la question de la filiation en art a toujours existé, un objet post-internet existe pratiquement toujours en flux entre ses multiples représentations.
Le flux annule la hiérarchie  et il semblerait qu’après internet la matrice d’un objet - l’original - n’ai pas plus d’importance que les versions qui la suivent. Cela présente des avantages et des inconvénients, qu’il faut garder à l’esprit… Comment envisager et façonner une pratique dans ces conditions ?

Si le flux rend l’objet fluctuant, « reprisé », on pourrait par contre postuler qu’une œuvre contient toujours une version inAbsentia*** d’un ou plusieurs objets produits précédemment, mais pourquoi pas aussi une version inAbsentia d’un ou plusieurs objets potentiellement à venir. Une sorte de « blue print » ou code source invisible contenus dans l’objet en cours, qui marquerait sa substance****.
A.FK. s’attache à explorer cette relation versions-flux-absence selon ces deux directions :
– Envisager une pratique avec tout un système de versions antécédentes : comment exposer le lien entre toutes les occurrences d’une même pièce/document (par exemple le pdf et sa lecture performée, le site internet et sa présentation dans l’espace sous la forme d’une installation, ou à l’inverse, la version d’une œuvre mise en ligne, etc..).
Une présence par l’absence même.
– Envisager une pratique liée à un système inexistant : œuvres potentielles encore non réalisées, à venir, mais aussi des œuvres inachevées, perdues, illisibles, où l’on ‘ »trouve dans la disparition une forme idéale ».
Une présence par l’inexistence même.

L’exposition en Mars à Bordeaux s’envisage donc plus comme le fait de révéler des « relations d’absences » que d’une mise en relation de différents éléments entre eux.
Les éléments que j’utilise peuvent être des objets récupérés ou façonnés, sites internet, livres, dessins, créations sonores…
Pour le moment, j’explore :
– les relations absentes entre internet, le web profond et le Darkweb,
– les passages du caractère discret***** de Photoshop au dessin à la main,
– les travaux de cheveux du 19ème et la typographie,
– la sélection (ou pas) de contenus en ligne à effectuer pour une publications à la demande,
– l’index d’une bibliothèque personnelle (playlist moderne faisant retour à une époque pré-révolutionnaire où les bibliothèques étaient des collections individuelles),
– une interview de Bruce Lee (sur les différents états de l’eau, le fameux « be water my friend »).

Pour la proposition suivante, j’aimerai une restitution sous plusieurs formes complémentaires : une exposition + une édition + site internet.
Quelques textes qui constituent des points de départ :
Les unités perdues, Henri Lefebvre
• Aux éditions Greyscale (http://greyscalepress.com/) :
Data Hammer, Kim Xupei
Report from the Desert, Anonymous
In conversations with Julian Assange, Hans-Ulrich Obrist
Artistes sans œuvre, I would prefer not too, Jean-Yves Jouannais
• Travail de traduction du texte Image-Objet Post-Internet, Artie Vierkant

 

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* J’utilise ici le mot objet pour toute production artistique, matérielle ou non.
** Condition qui fait écho au mouvement Post-internet Art, expression employée entre autre par Marisa Olson, Gene McHugh, Artie Virkant, ou encore Lev Manovitch pour expliquer les nouvelles conditions de pratiques artistiques à l’ère des digital natives.
*** « En l’absence (de la personne intéressée; de ce qui est concerné) ». Anton. in praesentia. In Absentia est principalement utilisé dans le contexte de la linguistique, pour marquer un rapport entre les mots qui existe virtuellement dans la tête du locuteur ou du lecteur : « Le rapport syntagmatique est in praesentia : il repose sur deux ou plusieurs termes également présents dans une série effective. Au contraire le rapport associatif unit des termes in absentia dans une série mnémonique virtuelle » (Saussure, Ling. gén.,1916, p. 171).
**** La substance, dans le sens ontologique du terme, désigne ce qu’il y a « en dessous », ce qui est permanent dans les choses qui changent. Les substances peuvent être traitées comme ayant des attributs et des modes, ce qui aident à expliquer les transitions entre états : par exemple le lien qui perdure entre eau et glace. On pourrait citer cette matérialisation plastique dans la dernière exposition de Pierre Huyghe.***** Dans le sens mathématique du mot, soit : distinct, discontinu.

cheveux
clavier-dvorak